Aurora Musical

A Scarcity of Miracles (2011) - A King Crimson ProjeKct

2011-08-13T16:16:00.001-03:00

Após quase dois meses de espera, recebi o LP de “A Scarcity of Miracles”, o mais novo “ProjeKCt” de Robert Fripp.

Tendo o escutado por cerca de duas semanas desde a entrega, devo admitir que a primeira audição me fez questionar o quão válido tinha sido esse longo “esperar”. E esse mesmo questionamento parece ter assolado uma parcela significativa de ouvintes. Com um hiato de quase dez anos, desde o metal cataclísmico de “Power to Believe”, a família Crimsoniana retorna com uma estética completamente remodelada, que incluí a volta de um “tio” há muito perdido no tempo: Mel Collins.

Mr. Collins dispensa apresentações tendo sido um dos músicos mais prolíficos do cenário progressivo dos anos 70. Gavin Harrison, Tony Levin, Jakko Jakszyk (o novo “tempero” que surge para guiar essa nova fase do Crimson) e, é claro, Robert Fripp completam o line-up.

O resultado dessa união é um disco enigmático que se revela aos poucos em arquiteturas impressionantes que deverão agradar novos e antigos fãs.

“A Scarcity of Miracles” pode soar, a primeira vista, um trabalho nostálgico, talvez até comercial, por seu clima aparentemente lisérgico que aponta diretamente as ondas sinuosas que encantaram o público setentista. Por aqui, há algo de “Islands”, de um Crimson lírico que se vai deixando construir aos poucos sem uma melodia ou uma harmonia sólida: tudo parece fluir como um desfile de cores emotivas pela mente do ouvinte.

Essa aparente “ausência de melodia” se dá pelo extensivo uso de “soundscapes” (cortesia de Fripp) que elabora enlaces impressionistas que tornam inteligível a aproximação ao passado, diante da inegável referência a Debussy e seu cintilar mágico, misterioso.

E eis o ponto em questão, ao se aproximar do que fora, o Crimson faz emergir uma tendência atual a que muito me venho referindo: o pós-rock. Os veteranos ingleses flertam com o estilo fundamentado, em partes, sobre a própria temática Crimsoniana, ou não é possível observar, em sua obra passada, as construções crescentes, lentas e transcendentais características do estilo?

Após algumas audições esse ambíguo “A Scarcity of Miracles” se mostra uma obra fina, fresca e inspiradora, amalgamando um impressionismo delicado a ataques de um free jazz serpeante, disponibilizado pelos salientes sopros de Mel Collins.

A faixa título deixa bem claro todas as características da obra até aqui explicitadas: o lirismo exacerbado, interplays introspectivas entre as guitarras (nada das pirotecnias do duo Belew/Fripp), setor rítmico impecável, cromatismos jazzísticos, ressoares espectrais, dando vazão a uma belíssima letra, relembrando o passado para refletir o presente e sua crise moral, desatinos, desencontros, questionamentos e a incerteza em versos solenes, dignos dos tempos de Peter Sinfield.

“The Price We Pay” expõe, de maneira mais direta, a presença fundamental de Jakko, que traz um clima oriental lastimoso e reflexivo (tendência incorporada por Levin em seu último disco), acompanhado de um fantástico trabalho inicial de Tony. A seguir uma estrutura mais “ortodoxa” se ergue dando vazão a melódicos motivos de sax interpolando-se com um dos mais incríveis solos de guitarra do disco. Talvez essa esteja um pouco abaixo do nível do álbum, justamente por sua arquitetura um tanto mais “clichê”.

O grupo se recupera na climática “Secrets” que soergue pilares suntuosos, criando lacunas para um intenso trabalho de sax que nos carrega por uma cinzenta jornada pelo esquecimento, vazio e solidão. O sax entalha milimetricamente um atonalismo atemporal que evoca clássicos jazzísticos, uma celestial improvisação livre, vindo tanger o tema incongruente tracejado entre as guitarras que sussurram levemente sobre o impecável setor rítmico. Uma monumental faixa, minha preferida no disco, em seu desenvolver lógico, mas estranhamente desafiador, suas minúcias e suas nuanças marmóreas, fantasmais, evanescentes. E ainda me faltam adjetivos...

“This House” inicia-se com um caótico desabar percussivo, mantendo a tendência ambient, agora de modo mais sutil, ameno, pontuando tons em meio ao vácuo, como ao criar um acorde inexistente a partir da confluência das vozes (recurso usado no barroco, visto de forma completamente inesperada por aqui), sem dúvida mais um dos grandes momentos do disco. Collins soa mais comportado, posicionando-se sobre as meditativas linhas de fundo de maneira elegante, sem deixar de lado a perceptível carga emocional.

Os fãs do Crimson atarefado, agressivo e lacerante de outrora deverão gostar de “The Other Man” que vem quebrar o desfilar flutuante apresentado até aqui. Harrison e Levin assumem o destaque com uma intrincada articulação rítmica por onde incidem as guitarras afiadas e certa esquizofrenia nos sopros. Por aqui, contrapontos melódicos crus e repetições paranóicas se alinham a ecos interdimensionais, evocando uma causticidade caótica em toda insânia terrena. Outro ponto alto da obra.

“The Light of the Day” se abre em improvisos aquosos, acordes entoados ao espaço, no qual a música parece ir e vir de maneira randômica, claustrofóbica, onde diversos elementos coincidem sem aparente relação lógica para gerar uma compilação do absurdo. O ambient segue de forma aterrorizante, alinear, destruindo os alicerces do tempo e de sua essência, finalizando o disco em um de seus momentos mais experimentais e incisivos.

Após mais de quarenta anos no mercado musical, o King Crimson, através desse seu novo ProjeKCt, reafirma sua posição como uma banda relevante e inventiva no cenário atual, alterando tendências e adaptando-se a elas, aqui na sua própria resposta ao pós-rock que inclui um amálgama pitoresco de espectralismo, Ravel, Charles Mingus e Claude Monet. Talvez essa resenha não faça jus a esse fantástico e tentador disco, que nos engalfinha em suas sombras densas e atemorizantes, como as do pesadelo distópico de “The Light of the Day”. Indispensável a qualquer amante da música progressiva, pelo alto nível das composições (somente “The Price We Pay” deixa a desejar) e das herméticas ideias nelas impressas. 4,3/5.0, forte candidato a melhor do ano.

From the Stairwell (2011) - The Kilimanjaro Darkjazz Ensemble

2011-07-26T21:24:00.001-03:00

Vasculhando as esquinas mais obscuras do vocêtubo e da outra super-franquia googliniana, que vem perdendo forças após o marketing trazido pelo mais badalado filme do ano passado (que verborrágico...), me deparei com esse curioso grupo europeu “The Kilimanjaro Darkjazz Ensemble” que, conforme consta em seu site, surgiu com uma proposta interessante de musicar filmes mudos pré-existentes e criar novas composições a partir dos mesmos, nada menos que alguns clássicos do expressionismo alemão, de Murnau a Lang.

Mas, só descobri essa informação após ouvir seu último disco “From the Stairwell” que chamou minha atenção, após uma primeira audição despreocupada, por sua sonoridade elegante, agradável, “fresca” poderia se dizer. As estranhas ondas flutuantes emergidas de diversos tratamentos eletrônicos esquizóides vêm se encontrar com uma lamuriosa plataforma de jazz, algo quase “cool”, entoando o silêncio em diversos momentos para intensificar a densidade e profundeza de suas frases.

O escalar taciturno de cromatismos de free jazz evolui dos metais, entrelaçando-se com a depressão quase noir (eles devem gostar de Orson Welles), serpeando sobre as sincopas fantasmais que ainda vem encontrar certas reminiscências “radioheadianas”, em seu alto nível compositivo, suas estruturas magistrais e a altíssima expressividade de seus movimentos.

O soar sepulcral de suas composições faz cintilar arabescos surreais repletos de melancolia, dando vazão a sentimentos confusos e apáticos, que muito bem podem retratar a crise moral que se abate pelo mundo desde as constantes apoteoses pós-grande guerra. Como não reparar as singelas alusões percussivas a Steve Reich desses músicos tão talentosos, que constroem espetaculares ambientes claustrofóbicos, conseguindo ilustrar também o caos metropolitano ao passo que permeiam anacronismos em esquizofrênicos fluxos de consciência que evocam desde o RIO, ilustrado pelos violinos de “Cotard Delusion” aos devaneios transcendentais, fazendo ressurgir os improvisos cósmicos do krautrock rebuscado de Guru Guru, os atormentados ataques do Faust ou mesmo as odisséias lisérgicas de Klaus Schulze.

Tudo se condensa em ambientes experimentais, extremamente galantes, remoldando-se numa calma cadenciada, quase letárgica, absorvendo e vomitando uma atmosfera do melhor do modernismo e do avant-garde do século passado.

“From the Stairwell” é pomposo, refinado e bem elaborado, trazendo fluidez impecável a espaços vazios de grande desconforto, especiarias desconcertantes numa produção impecável que exalta toda a instrumentação, sem deixar de lado as vocalizes espectrais e amedrontadoras.

Entre os destaques está a atemorizante “Giallo” (deixaria feliz Dario Argento) em seus graves amarelados, envolvendo um ar de perigo mórbido sobre a melodia circular dos sopros, criando estranhas conclusões para temas em compassos oscilantes; “White Eyes”, em seus gélidos contornos traçando rotas ebúrneas amalgamando um pesaroso clima nostálgico, rememorando belos momentos nos entalhes pontilhados da guitarra e os encontros azulados de vozes melodiosas que se desfazem em certa turbulência, enquanto confluem; a climática “Celladoor” e seus entoares de solidão evanescente que se constrói com uma sensibilidade aflorada e por fim “Les Etoiles Mutantes” completada por uma das melhores linhas de baixo que já ouvi em minha vida, acompanhada das saliências pontuais do piano vaporoso.

Há tempos não havia me animado de tal forma com uma banda, sem exageros ou sensos superlativos, “The Kilimanjaro Darkjazz Ensemble” é um dos melhores projetos que eu tive o prazer de ver surgir no meu plano temporal.

4,3/5,0, estranhamente fantástico.

Para mais informações:

Site Oficial
MySpace

Stormwatch (1979) - Jethro Tull

2011-07-11T21:05:00.000-03:00

No final dos anos 70 a maior parte dos grupos de progressivo encaminhava sua sonoridade a uma completa renovação estética que viria – na maioria dos casos – agredir os ouvidos de antigos fãs. Mas, antes de discos contestados como “A”, o Jethro Tull passaria por uma de suas fases mais “refinadas”. A partir de “Songs of the Wood” o grupo aderiu camadas mais fortes do folk inglês que tanto destacou sua sonoridade no passado. Ian Anderson reduziu os golpes cáusticos desferidos por sua flauta, apelando ainda mais a uma passividade bucólica engrandecida por belíssimos ambientes acústicos acompanhados dos arranjos orquestrais de John Evan, sem os exageros que começavam a emergir no período.

“Stormwatch” é o terceiro exemplar desse período mais árcade do Tull e faz jus a seus marcantes antecessores. O disco é sólido com faixas bem trabalhadas, grande equilíbrio instrumental e alguns excepcionais riffs que desenvolvem temas interessantíssimos que evocam desde os ares mais solenes até as piores distopias naturais.

O estilo arrojado, de arranjos barrocos em múltiplos contrapontos, retendo certas nuances singelas ao amalgamar a cultura tradicional inglesa à pompa do progressivo sinfônico, permanece vivo de modo a denotar alguns brilhantes momentos do bom prog setentista que viria a se extinguir pouco tempo depois – sem falar nos revivals canastrões que ainda se aproveitam da nostalgia generalizada.

O disco é também o último a contar com John Glascock, que foi afastado, por seus excessos, durante as gravações, obrigando Anderson a assumir o baixo na maior parte do trabalho. E ele o fez bem, principalmente quando o instrumento encadeia as linhas melódicas principais, conforme o evidenciado na boa overture “North Sea Oil”. Os pontilhismos suaves da flauta dão lugar ao possante baixo por onde se adentram temas de teclado – sempre denotando uma boa escolha nos timbres. Um bom início, motivo bem estabelecido, recheado de variações que sombreiam uma possível falta de inspiração.

“Orion” é o primeiro grande momento do disco, contrabalanceando o sisudo tema principal, entrecortado pelos metálicos soares do órgão que fazem sentir a presença de John Evan (interessante o aproveitamento dos dois tecladistas), e o romântico clima dos interlúdios, impulsionados pela solenidade orquestral, a bela harmonia em suas variantes e os entalhes esmerilhados do baixo de Glascock, um parceiro perfeito para a delicadeza do violão.

Esse soar épico, repleto de sentimentos que poderia apelar ao brega, fazem-se genuínos nessa gravação, mas ainda sim é possível sentir excessos como em “Home”, que carece de qualquer profundidade melódica.

“Dark Ages” se ergue sobre um tema mais pesado, acompanhados dos sussurros espectrais da voz de Anderson, aproveitando boas interjeições das teclas e da guitarra que duelam, num desfile cíclico de alternâncias que logo dão espaço a viradas potentes da bateria, originando um dos melhores riffs do disco, um impressionante hard rock acompanhado de incisões de flauta e linhas hiperativas de baixo. A inter-relação entre os instrumentos é fantástica, há espaço para que todos brilhem numa poderosa construção sonora, entre assaltos da espacial guitarra, as lamúrias das teclas (que muito apontam ao Tull orquestral de “Thick as a Brick”), o sinuoso baixo e o uso consciente da flauta, direcionando a uma excelente conclusão, em boas construções rítmicas e variações sobre infinitos temas, estruturando uma intensa viagem progressiva por diversas alegorias, minúcias instrumentais e lacerantes viradas de bateria. O ponto alto do primeiro lado do disco.

Fechando essa primeira parte temos “Warm Sporran”, com seus movimentos inconstantes. Há uma reminiscência forte da construção barroca do Gentle Giant em certos momentos, dando lugar, em outros, para uma linha de baixo pouco inspirada. O ponto alto é evolução da flauta, em seu timbre esvoaçante acompanhada de sussurros “druídicos” imponentes. Razoável.

O segundo lado começa com “Something´s on the Move”, mais um daqueles vigorosos hard progs em excelentes interplays entre a guitarra rasgada (que pode apontar a Tony Iommi em alguns momentos do disco), o órgão paralelepipedal e o serpear da flauta, sempre preenchendo as lacunas horizontais com competência, mesmo sobre a engenharia simplificada da harmonia, longe de seus momentos mais inspirados.

“Old Ghosts” agrada logo de cara pelas variações ascendentes da flauta, que dita o tema principal, a ser bem tratado pela guitarra e as teclas, num clima aerado, fresco, aproveitando de excelentes efeitos de sintetizadores para construir estranhas abstrações, bosques cibernéticos, entre verticalizações marciais e a interpretação impecável de Anderson, entre seus, não raros, excelentes momentos vocais. Muito superior a anterior.

A acústica “Dun Ringill”, parece soar como mais do mesmo, encaixando-se nos padrões Tullinos, fazendo-se válida pela impressionante presença vocal de Anderson e fica por aí.

“Flying Dutchman” é uma das melhores composições do disco e provavelmente, minha faixa preferida. A cadência emotiva do piano no início já demonstra a riqueza harmônica que se enuncia por aqui, dando lugar ao bandolim cintilante, ante a poderosa carga emocional que se faz sentir no tema principal, acompanhando as variações do baixo de Glascock. A segunda parte é ainda melhor, onde ecos da flauta acompanhada das teclas que impõe um clima céltico, cheio da passionalidade arborizada, amalgamando-se ao tema principal, uma síntese da fuga urbana que é permeada por todo o disco. Belíssima faixa, com esplêndido trabalho por parte de todos os instrumentistas ao desenvolver os motivos com perspicácia, retendo uma grande carga emocional, como demonstram os catárticos solos de flauta por toda a composição. Perfeito encontro entre o luxuoso progressivo orquestral e o singelo clima folk, de algum lugar entre a Inglaterra e os místicos Andes.

A faixa final, “Elegy”, é de autoria de David Palmer – todas as outras são de Anderson – soando bem, de fato, algo de suntuoso entre os contrapontos melódicos e o imponente desfilar das teclas, aproveitando bem algumas possibilidades instrumentais, apesar da obviedade das conclusões.

Em suma um bom disco, não é dos maiores clássicos do Tull, mas consegue propiciar alguns momentos válidos, principalmente entre seus highlights “Orion”, “Dark Ages”, “Old Ghosts” e “Flying Dutchman”, alguns dos últimos suspiros de uma era. Longe do essencial, mas ganha contornos interessantes por sua temática prenunciando crises ambientais, problemas energéticos e cataclismos naturais. Destacando também a guitarra de Barre, em um de seus momentos mais agressivos e incisivos em toda a discografia da banda. Mesmo com toda a prolixidade, 3,4/5,0.

Fly From Here (2011) - Yes

2011-06-25T14:10:00.002-03:00

O que mais se pode esperar do Yes?

É uma pergunta que venho me fazendo desde a última passagem do grupo por aqui. E a resposta, para muitos, remete ao vazio. De fato, seus trabalhos desde os anos 80 são questionáveis, por mais que goste dos itens mais recentes, nada se compara ao período dourado do grupo, quando esse progressivo pomposo repleto de cores e apoteoses instrumentais fazia sentido. Pois que venham as pedras, mas os tempos mudaram e devo admitir que passamos por uma fase conflitante da música popular. Se por um lado a massificação de uma mentalidade simplista sem profundidade ameaça a perpetuação de expressões artísticas genuínas, por outro, aqueles que se comprometem com tal feito, vem produzindo criações espetaculares, de estética inovadora capaz de justificar-se ao nosso tempo.

O que se pode esperar do Yes são mais alguns anos para se admirar em suas contagiantes apresentações ao vivo ou mesmo nesse exemplar de estúdio.

“Fly From Here” dividia um bocado de opiniões antes de seu lançamento, a principal causa, obviamente, é a ausência de Jon Anderson. No entanto, o tão questionado Benoit David não faz feio, produzindo linhas até bastante maduras, sem excessos, aproveitando o potencial de sua voz de maneira muito delicada e expressiva. Talvez seja um dos pontos mais altos do disco, tendo em vista o quanto está evidenciado o trabalho vocal. Nesse ponto há de se admirar o trabalho de produção de Trevor Horn que remonta uma gravação equilibrada, onde todos os instrumentos soam com clareza e objetividade.

Squire mantém o trabalho característico de baixo que funciona bem ao lado da bateria de White, nem tão cansado em estúdio. Howe por sua vez demonstra uma participação discreta, que, no entanto surpreende pela qualidade característica seja na escolha brilhante de timbres, ou nas variações de seu estilo sinuoso, arrojado, incisivo e de precisão cirúrgica, um maestro de fato que brilha mesmo num, injusto, papel coadjuvante. E eis um dos maiores problemas, a participação de Steve é sombreada pelos teclados econômicos de Geoff Downes, de quem definitivamente não sou fã. As camas soam burocráticas e muitos dos timbres ultrapassam a barreira do “brega”, em ares enfadonhos e até certo ponto irritantes. Mas, Downes consegue arrancar alguns bons momentos principalmente quando evoca a nostalgia de “Drama”.

O óbvio destaque fica por conta da suíte título, “Fly From Here” que ainda sim, tem seus altos e baixos. Iniciando pelos aspectos negativos temos alguns motivos bastante repetitivos que ainda ousam retornar de forma cíclica, entoando ressoares de pouca inspiração. Vejo sérias inconsistências harmônicas, talvez pela tendência de Downes em simplificar suas estruturas, o que de certa forma ressalta o lado melódico – e aí temos um ponto positivo antecipado. Outro detalhe que me incomodou em todas as audições é a forma extremamente óbvia, quase ingênua, como determinados momentos são resolvidos. E por fim há uma real artificialidade em certas passagens climáticas que, aparentemente, deveriam soar de modo solene.

Ufa. Mas, não é só de espinhos plastificados que se constitui a faixa. A suíte não se estrutura de modo linear, o que permite que encadeamentos independentes se encaixem de maneira interessante, dando vazão a uma série de motivos belíssimos, em todas as multicores melódicas. Como já mencionado, o disco é forte horizontalmente, seja pelas harmonias vocais coletivas ou pela passionalidade das linhas de David ao encontrar um inventivo Squire sempre contrastante às elipses serpeante de Howe que ocupa com qualidade os espaços pertinentes, seja com o lirismo acentuado de sua performance acústica, os riffs inteligentes ou ainda com as espirituosas linhas de sua lap steel guitar. Essa grandiosidade emotiva se intensifica quando Downes pontilha, ainda que de modo objetivo, a composição com movimentos ascendentes ou práticas variações. Um detalhe curioso, em certas passagens é possível sentir uma reminiscência muito clara de Gentle Giant, vale se conferir.

Desse modo alguns memoráveis temas são erguidos de modo impetuoso, relembrando os grandes momentos de “Drama”, unido a certas interplays de “The Ladder”, a soar de modo atarefado e instigante.

A conclusão de “Fly From Here” está longe dos épicos magistrais setentistas, ou mesmo da quase megalomania de “Magnification”, mas ainda sim não faz feio.

A parte da longa suíte, vemos um cenário instável: desde faixas mais comerciais e passáveis, algo de um romantismo exacerbado, soando como filler, como o caso de “Solitaire”, momento pouco inspirado de Howe que, infelizmente não consegue atingir uma possível comoção, um senso de realidade artística superior. Assim observamos algumas aproximações esquisitas, enquanto “Hour of Need” poderia soar como algo do Kansas, com harmonias vocais comuns, acinzentadas, tangemos um retrocesso grave e sisudo a uma sonoridade sem vida, pouco inspirada em “Life on a Film Set”.

Mas, para finalizar as inconsistências temos um excelente momento em “Into the Storm”, que ao se aproximar mais uma vez de “Drama” faz emergir variações vigorosas, temas cintilantes em tratamentos instrumentais deliciosos, em seus timbres aquosos e carregados, que consegue, efetivamente, nos fazer sentir um “Yes” digno e senão, um bom grupo de progressivo dos bons anos. E não se poderia deixar de mencionar o melhor solo de Howe – entre os poucos – do disco.

Uma gravação divertida, entretenimento válido que deve render algumas boas apresentações ao vivo. E antes que conclua a resenha, um “detalhe” bastante relevante, mesmo Oliver Wakeman tendo deixado o grupo antes do término das gravações, algumas de suas contribuições podem ser ouvidas, inclusive um respeitável solo de órgão em meio à faixa título. 2,6/5,0 com justiça.

Rocket Science (2011) - Béla Fleck and the Fleckstones

2011-06-23T14:40:00.000-03:00

Devo admitir que estive afastado dos trabalhos de Béla Fleck desde o incriticável “UFO TOFU” que, há alguns anos, abriu minha mente para o jazz e uma subsequente nova perspectiva musical. Desde então, suas gravações parecem ter adquirido um ar mais passional, falsamente pomposo, “soft” poderia se dizer, desse modo Béla ganharia "Grammys" e sabemos por onde isso vai.

No entanto, com o retorno de Howard Levy, um dos membros originais, não pude me conter e fui atrás da gravação, o resultado não foge ao esperado, “The Fleckstones” retornam ao exato cenário de UFO TOFU, o que pode soar nostálgico e enfadonho a alguns, mas é definitivamente um grande prazer para os fãs.

“Rocket Science” já traz em sua divertida capa uma amostra do que será a gravação: o quarteto redescobrindo sua música ao aderir às velhas bases do bluegrass algumas novas vivências, algo de jazz vintage, num amálgama bem trabalhado que eventualmente conduz a certas conclusões um tanto óbvias, denotando certa falta de foco compositivo.

Contrabalanceando tal aspecto, temos algumas boas construções especialmente quando Howard Levy traz a tona todo seu talento instrumental, cuja ausência foi tão sentida nos últimos tempos. O álbum exala uma sonoridade jovial, como transparece a primeira faixa “Gravity Lane”, entre os pontilhismos do banjo eternamente atarefado e a fluidez da harmônica sobrepondo a harmonia ascendente do piano numa passagem equilibrada, sem excessos para demarcar o território musical do grupo.

“Prickly Pear” traz um swingado jazz suburbano de vozes distorcidas e harmonias evanescentes em interlúdios desconcertantes com certa dose de sarcasmo e alternâncias entre sentidos, com grande destaque para os timbres adquiridos.

Outro highlight é “Joyful Spring” em seu soar delicado, em intensas interplays melódicas entre o baixo multicolorido de Wooten, o piano cristalizado e o banjo em suas variações típicas que denotam um ar solene, um tanto romântico que em momentos evoca a world music, misteriosa, até cigana poderia se afirmar.

Mas, devo admitir, algo que sempre me chamou foi a capacidade animalesca de improviso do grupo e isso se reflete particularmente bem em “Life In Eleven” que se desenvolve entre compassos variantes entre 11/16, 11/8 que ao aludir as complicadas estruturas rítmicas do leste europeu, dá vazão a bateria circular e onírica de Roy Wooten que abre espaço para os jams impecáveis de baixo e piano, destacando as ascensões magistrais do último.

“The Secret Drawer” em suas profundezas climáticas absorve todo o talento de Roy que demonstra o desenvolvimento de seus experimentos com a “Drumitar”, em suas multifaces que equilibram uma tensão tribal a um devaneio tecnológico, entre florestas tropicais e certa sandice industrial, cinema para os ouvidos.

E para finalizar “Bottle Rocket” que evoca em suas interplays melódicas e sua dinâmica afiada, algo do hard bop, extrapolando o conjunto de notas em constantes trocas atmosféricas, afinal "The Fleckstones" nunca foram grandes fãs do silêncio proposto por Miles. Há algo de sensual na linha de baixo, conforme a proposta de todo o disco, em seu timbre encorpado e altamente expressivo para resgatar certos temas familiares ao longo da gravação. Próximo ao final, Béla dá uma amostra de sua virtuose como não poderia deixar de ser.

“Rocket Science” é um retorno a sonoridade inclassificável que trouxe respeito e fama ao quarteto americano, que entre o blend de estilos, desde linhas pastorais estadunidenses a ataques percussivos aborígenes, estruturas orientais, incisões flamencas, passionalidade mediterrânea e por aí afora, faz percorrer um banho de virtuosismo, apelando muitas vezes a improvisos intrincados que exaltam a qualidade técnica de todos os membros, mas que acima disso, ainda conseguem se impor como compositores competentes resgatando a elegância jazzística numa roupagem mais moderna e tão particular. Eventualmente, ao se ouvir o CD, poder-se-á ter a sensação de repetição, algo de enfadonho, mas nada que prejudique a incrível diversão proporcionada pela gravação. Muito recomendado, 3,5/5,0.

Into the Wild (2011) - Uriah Heep

2011-06-05T19:20:00.000-03:00

Neste final de semana ouvi pela primeira vez o novo CD do Uriah Heep, “Into the Wild”, que destaca um proeminente resgate dos teclados.

Após mais de 40 anos de carreira, é desumano esperar que um grupo tão tradicional como o Heep se reinvente. Na verdade, seus novos trabalhos devem seguir a tendência de resgatar antigos planos de sucesso, sem maiores pretensões, um real tributo aos seus fãs, afinal, nós ainda os amamos.

“Into the Wilde” reforça um aspecto interessante quando Phil Lanzon exalta suas linhas de órgão, agora muito inventivas, para trazer de volta o clima mágico que nos encantou em grandes trabalhos como “Demons and Wizards”.

O problema surge em faixas que tentam soar como “hits”, como a inicial “Nail on the Head” com um interessante riff de guitarra, vocais incisivos e um refrão pegajoso, que acaba apontando ao pior período do Heep, quando nos anos oitenta soava similar ao Whitesnake.

A partir daí, a situação melhora. Infelizmente, Mick Box não tem uma participação tão interessante nesse trabalho, sendo sombreado por Lanzon, em sua melhor exibição, , muito provavelmente, desde “Sonic Origami”.

Não enxergamos mais a crueza, o atrevimento de trabalhos como “Look to Yourself” ou o agressivo debuto “Very´eavy Very´umble”, mas ainda sim é possível contatar alguns bons momentos, como os viajantes teclados de “I Can See You” que acompanham as magníficas harmonias vocais as quais nos acostumamos.

A faixa título que vem a seguir, é sem dúvida uma grande surpresa, temas velozes sobre o forte pulso da bateria, que dá espaço para o clima vintage emanado do órgão em pontes muito bem montadas. Um hard rock puro, elétrico e bem tocado que diverte a todos os amantes do estilo. Em meio à composição ainda nos deparamos a uma frenética troca de solos, muito bem tratados (aliás, destaque especial para os timbres instrumentais).

Outro ponto positivo encontra-se nos vocais de Bernie Shaw que vem calar (curioso, não?) os críticos saudosos do lendário David Byron. De fato, este último é insubstituível, mas Shaw mostra uma grande identificação com a temática do Heep, com sua voz cortante, um tanto áspera, poderia se dizer, vindo duelar com as alegorias hammondísticas e as engorduradas linhas de guitarra de Box, que surgem possantes sobre os abusos de wah-wah.

Outros bons momentos surgem em “Trail of Diamonds”, repleta de variações em excelentes harmonias, num trabalho equilibrado de todos os instrumentos. As linhas melódicas parecem erguer torres ebúrneas de ares lastimosos, mas de intensa beleza pra contagiar o ouvinte, sem dúvidas um grande momento de lirismo, como o Heep sabe fazer tão bem.

“Believe” é minha favorita, ataques rasantes de órgão e guitarra, que surge sinuosa entre um cativante refrão, mantendo a dinâmica acelerada e bem estruturada, brindando-nos com mais algumas boas variações. A segunda parte é mais suave, em arpejos melodiosos que saltam rapidamente de volta ao tema principal. O desfecho da faixa é avassalador, um dos melhores momentos de Mick no disco.

“Lost” e “Kiss of Freedom” soam bastante como um revival mais evidente, até pela forma que são estruturadas, ressaltando as escalas incomuns da primeira, uma espécie de fusão de modos, modificados pela guitarra distorcida atribuindo um ar épico em meio a apoteose vocal (lembra o período clássico de Demons and Wizards), entremeada pelas interjeições puntiformes do teclado, grande momento.

“Into the Wilde” é um trabalho digno da discografia da banda, apesar do ar nostálgico exalando por seus poros, o grupo nos traz um bom exemplo de sua musicalidade que muito não fica a dever pras atuais bandas de hard rock. 3,0/5,0, eu diria inferior, talvez, ao “Wake the Sleeper”, mas ainda sim, vale de ser conferido e... Longa Vida ao Uriah Heep!

Wozzeck (1925) - Alban Berg

2011-05-22T19:40:00.001-03:00

No início do século XIX, a Alemanha passava por período de revitalização e sérias agitações ideológicas, alimentadas pela Revolução Francesa. Nesse contexto surge “Woyzeck” de Georg Büchner, que anteciparia o pensamento de Marx e Engels, ilustrando, sobre uma história verídica, a luta de classes e a situação social deplorável em que se encontrava o proletariado alemão. Büchner era também crítico aos ideais estéticos do romantismo, aderindo a sua obra, nuanças experimentais que impactariam fortemente em correntes literárias posteriores, como o naturalismo e, por mais ambíguo que possa soar, o expressionismo.

Agora devem estar se perguntando o porquê desta minha inclusão literária. A questão se resolve em meados de 1917, quando o compositor Alban Berg, após a dispensa do exército germânico, começou a trabalhar em sua obra-prima “Wozzeck”, resgatando o monumental livro de Büchner. E, se ainda restam dúvidas, a avassaladora ópera de Berg será alvo de minhas palavras tortas, frutos de uma visão míope que está querendo fazer exame de vista.

Berg era discípulo do controverso Arnold Schoenberg e, assim como o mestre, aproximava-se da fluidez atonal que liberaria toda uma geração de filósofos musicais. “Wozzeck” surge desse meio, sem tornar-se uma composição serial, estrutura que somente moldar-se-ia dali algum tempo.

O plano de fundo, como enunciei brevemente, é uma Alemanha instável, onde as classes dominantes exploram, em todos os âmbitos, a fragilidade dos mais pobres, aqui visceralmente representados na pele de Franz Wozzeck, um soldado mentalmente enfermo, que surge como subproduto de seu meio. Essa visão é apresentada, de imediato, na cena inicial do Primeiro Ato, quando Wozzeck proclama “é difícil ser virtuoso quando se é pobre”. A imoralidade impregnada nas mulheres, que surgem como objetos sexuais de soldados escusos e a frivolidade dos homens, que se perdem em seus vícios carnais, são frequentes alvos da zombaria dos poderosos, representados pelo superlativo doutor – uma espécie de encarnação afetada, em visão de escárnio ao Fausto eterno de Goethe – e do capitão – homem gordo e ocioso que induz, ironicamente, Wozzeck a uma visão de perfeição clássica/árcade, apelando a “aurea mediocritas”, ao equilíbrio; “permaneça no meio” é uma de suas falas iniciais.

Mas, não é só na caracterização simbólica gloriosa que ao mesmo tempo expõem e destrincha os personagens alemães, “esculhambando” seus antigos ideais românticos, que reside a genialidade conceitual da ópera. Berg evoca uma estética expressionista, centrando sua narrativa na paranóia, nos delírios senis, da mente fragilizada de seu anti-herói, torturado por suas cruéis condições de vida, vendo-se obrigado a submeter-se aos caprichos sarcásticos de seu chefe e aos experimentos do egocêntrico cientista. Estabelecida a condição, emergem os agravantes: a traição da mulher – Marie-, que, ao mesmo tempo, enfeitiça e provoca o Mestre da Orquestra Marcial e se repudia, buscando na bíblia e em desastrosos conflitos interiores, a solução para sua fragmentação de culpa e desejo; a solidão, Wozzeck embarca num patamar superior a de seus colegas, seja por suas alucinações, ou por sua cruel percepção da realidade, a personagem planeja pensamentos filosóficos que transcendem a mediocridade de seus “iguais” alienados, isolando-o num plano suspenso, ao passo que é tratado como uma criança ingênua, despreparada pelos antagonistas sociais da obra – “você comeu seus feijões?”, dispara o doutor.

Nessas condições o quadro do senil Wozzeck se intensifica, sua obsessão inflama-se, a dor e a desilusão o entrecortam, o conflito se apossa de sua mente. Na condução majestosa de Berg, vemos o desenvolvimento dessa personagem, de modo que o final soa inevitável, sem perder seus traços mais densos de humanidade.

A personagem que dá título a obra, encontra sua apoteose em um magnífico “crescendo”, vindo a mergulhar no lago de sangue de suas visões.

Por mais arrebatador que seja o enredo – um real deleite literário -, Wozzeck conseguiu seu destaque como uma das maiores óperas de todos os tempos, graças a sua construção musical intrincada, pontiaguda, rochosa e ainda sim, acessível, que passeie entre contornos do atonalismo extremo e as particularidades da escala diatônica.

Mais uma vez, Berg vem nos demonstrar o porquê de merecer o título de “gênio”: grande parte da narrativa é dominada pelo psicológico e nesse âmbito, de exagero e distorção, surgem suas sombras atonais, de fluidez inatingível, capazes de entoar milimetricamente os contornos obscuros das personagens, de modo a exteriorizar seus mais monstruosos pensamentos. Para esse lado ocorre a dissonância, quando a realidade visual se confronta ao imaginário decrépito, entoando ataques avassaladores que explodem em intensas demonstrações de “pathos”, ou nas zonas conflituosas e mal estabelecidas, que apontam a entalhes sexuais e misteriosos, como no segundo encontro entre Marie e o Mestre da Orquestra.

A tonalidade padrão, vem descrever ambientes físicos, ou lugares comuns, como certas aspirações vividas por Marie, em interlúdios românticos, de elegância tradicional. Em outros momentos, elementos apenas sugestivos surgem para aderir verossimilhança, como danças tradicionais, manifestações folclóricas, cantigas populares ou na exploração de vínculos dionisíacos entre a natureza humana das personagens. Um exemplo claro é a cena da taverna, onde Marie dança com seu amante, embalada por uma valsa antiga, despertando a ira incontrolável de Wozzeck. O contraste entre o atonalismo em catarse, disparando atmosferas amorfas e afiadas e os ares simplórios camponeses montam um dos ápices sonoros da gravação, é inexplicável, simplesmente fantástico.

O compositor, ainda se aproveita de elementos recorrentes, que vem criar laços aos ouvintes, para descrever elementos específicos da narração, variando-os levemente de acordo com o contexto, a apontar novamente ao simbolismo.

Predomina então, uma atmosfera taciturna, mas volátil, enumerando os pesadelos sanguinolentos de uma sociedade moribunda, culminando na falta de perspectiva, na incerteza de um pobre garoto alemão.

Em suma, dou minhas mais fortes recomendações aos leitores para que busquem essa ópera de Alban Berg, que pode soar dissonante, agressiva, maníaco-depressiva, interpolando muitas vezes ataques grosseiros dos sopros, a pizzicatos estilhaçados e rítmicas alucinantes, mas que no fundo é uma obra para pessoas como nós, que busquamos a reflexão sobre os diversos prismas da condição humana.

Uma das obras máximas do expressionismo alemão, imprescindível a qualquer fã da arte em sua forma mais sublime.

O "Youtube" está repleto de boas encenações de “Wozzeck”, assim que não será muito difícil encontrar.

Um bom fim de domingo a todos, e peço desculpas se não atingi toda a complexidade titânica deste trabalho.

Gustav Mahler

2011-05-15T22:42:00.000-03:00

Como prometido, me atreverei a falar um pouco sobre música clássica, mas antes, venho aludir a um espaço complementar que recém instalei pelo blog. Vi num dos blogs parceiros (Rockin' in The Free World) um campo com indicações de livros e como ando muito ligado à literatura nos últimos tempos, percebi que era conveniente. Para tanto, colocarei títulos e respectivos comentários, segundo minha visão sobre os mesmos, com atualizações periódicas, semanais muito provavelmente.

Sem mais delongas, venho falar sobre Gustav Mahler, um dos gigantes austríacos que fez nome na virada para o século XX.

Para falar, ainda que de maneira superficial, sobre sua música fazem-se necessários o contexto histórico e biográfico.

Mahler é fruto de uma Viena ainda aguerrida aos padrões do século XIX, em sua arquitetura dourada, seus costumes elegantes, um dos ápices da estética cultural e econômica. Obviamente, o mundo mudava, a industrialização entorpecia a Europa, mas parecia atrasar-se em relação aos países germânicos. Entretanto, não era somente desse ar floreado que se respirava em Viena, seus problemas sociais, seus preconceitos, seus instintos reacionários horripilantes, viriam à tona na obra de outro gênio e seus discípulos: Arnold Schoenberg.

Mas, Mahler observava otimista tal meio, tentando reter toda essa grandiosidade através de sua música.

Inicialmente, dedicou-se ao alto cargo de Diretor da Ópera da Corte de Viena, que o distanciaria brevemente de sua composição. Entre esse período, Richard Strauss ascendia com sua composição fresca e contestadora, aspecto de grande impacto nas composições de Gustav.

Sua Primeira Sinfonia emerge de uma premissa interessante: elevar o estilo a níveis inéditos, do mesmo modo que Wagner havia feito com a ópera. Nesse momento inicial, há certo impulso romântico, onde orquestrações colossais, desconstroem-se de maneira ruidosa para dar lugar a passagens de cunho regionalista, ligando ambientes bucólicos a excertos de sua cultura judia. Do mesmo modo que Wagner, Mahler mostrava-se superlativo, apelando ao suntuoso, em multicores de sopros sibilantes, que vão de encontro ao seu gosto taciturno pela noite, pelo escuro, que pelas alternâncias, entre o forte, o fraco, poderia apontar há um elo perdido barroco.

Contudo, esse regionalismo esvaneceria a partir da Quarta Sinfonia, mais sisuda, pragmática, estruturada aos moldes clássicos que, talvez por isso, não me soe tão atraente. Gustav buscava tornar-se um artista universal. Na “Quinta”, meu primeiro contato com sua obra, brota violentamente sua temática funesta, enegrecida, trazendo desde delicada introspecção a impulsos surrealistas, batalhas hercúleas, ilustrando suas discussões a cerca da existência, da morte, dos contrastes (como todo bom “alemão” do período, há muito de Nietszche em sua obra), da guerra.

A “Sexta Sinfonia” é minha preferida, talvez, sua “Magnum-opus”. Por vários momentos, se percebem passagens quebradiças, que enunciam a temática atonal que povoaria a obra de seus discípulos (que estruturariam o dodecafonismo), onde sua percepção transcendente e vasta do amor se amalgama a seus delírios conturbados sobre a guerra, a violência. O primeiro movimento enuncia o avançar de um batalhão em seus entalhes vítreos, na base pulsante dos violinos e o épico tema principal que emerge com vigor das entranhas da agressividade. A segunda parte, traz um lirismo ultra-romântico, enaltecendo o trabalho dos sopros aveludados que se perdem em meio a seus devaneios polifônicos, de progressões calmas que crescem em vertigem, tentando conciliar o peso colossal da guerra do primeiro movimento, às formas curvilíneas da mulher amada. E isso ocorre de maneira catastrófica, onde o amor avança arrebatador em dualismos tonais de marcações pesadas e puntiformes. A terceira parte se condensa numa valsa tencionada pela percussão lacerante impiedosa a vislumbrá-la. O movimento final percorre belicosos ataques estruturais, por onde percorre um ar funesto, denso, irritadiço, quase paranóico. Toda essa profundidade se desenvolve de maneira dolorida, inconstante, a caminhar a seu final leve, quase adormecido que se expande em combustão espontânea a exalar a brutalidade crepuscular de sua vida conturbada.

Esses moldes titânicos erguer-se-iam à estratosfera na Oitava Sinfonia, com a necessidade de mil músicos para executá-la. Seu conteúdo, segundo minha óptica leiga, não supera a grandiosidade das três últimas composições. Mahler parecia ter exagerado

O compositor criaria ao longo de sua carreira nove sinfonias completas (mais uma inacabada) e algumas “lieds” (canções), incluindo um poema sinfônico.

Sua obra se encontra no limiar entre as aspirações visuais românticas e uma nova sonoridade, moderna, avassaladora, que estava para surgir, evocando, de Mahler, sua ambigüidade, sua sanguinolência, reprimida em impulsos trágicos. Há 100 anos, o compositor levava para o túmulo os padrões e instintos de uma geração, a dar origem a uma nova concepção de arte que metamorfosear-se-ia em suas guerras, suas tensões, seus conflitos.

Encerro enntão, meu pequeno resumo e minha homenagem, justamente, ao centenário da morte desse compositor que tanto influenciou minha percepção sobre arte.

Abaixo, links de algumas de suas composições em "Domínio Público"/Vocêtubo:

Quinta Sinfonia

Nona Sinfonia

Sexta Sinfonia (Primeira Parte) - Bernstein

Estudando a Bossa (2008) - Tom Zé

2011-05-08T19:31:00.000-03:00

Primeiramente, desculpo-me pela ausência, que ocorreu em decorrência de problemas técnicos com a internet e, logo na sequência, com o computador em si.

Desse modo, retorno hoje, analisando um dos melhores trabalhos produzidos, nos últimos tempos, pelo polivalente e genial Tom Zé.

“Estudando a Bossa – Nordeste Plaza”, de 2008 (quando a Bossa comemorava seus 50 anos), é mais que um singelo tributo: uma referência histórica ao gênero em questão, delineada pela óptica acidamente poética de Tom.

Um verdadeiro petardo de nossa música, banhado pelos vocais femininos (de Fernanda Takai, Zélia Duncan, Mônica Salmaso, Tita Lima, Andréia Dias, Márcia Castro, Jussara Silveira, Fabiana Cozza, Marina de la Riva, Anellis Assumpçãoo e Badi Assad) exageradamente apaixonados em frequente contraste ao desleixo proposital de Tom, que incorpora, mais uma vez, seu espírito alegórico, anti-sisudo, dos bons tempos de “Complexo de Épico”, debochando da seriedade de isopor do pomposo estilo que hoje habita elegantes restaurantes pelas grandes metrópoles. Obviamente, isso ocorre de maneira sutil, até pelo grande respeito do músico pelo estilo, que, segundo o mesmo, mudou sua vida.

Por aqui não ocorre a mesma “esculhambação” experimental de outros trabalhos, mas consegue, de modo sólido, cadenciar belas composições a momentos transversos, obtusos e mais crus como na excelente “Solvador Bahia de Caymmi”, em seus contratempos quebradiços e pontilhismos melódicos cortantes sob a base fluída bastante típica, amparando, num mesmo espaço, pesados riffs de guitarra/baixo às vozes oníricas que esvoaçam de modo quase espectral para nos trazer momentos globalizantes de todos os “seus santos”: “Buda que ensaia de pijama na Lapinha/Gandhi gandaia que desmama a Barroquinha/Baco tocaia uma mucama da Rocinha”.

A conciliação do sarcasmo e da beleza se dá então em “O Céu Desabou”, onde Tom incorpora o espanto da época a se deparar com a música que veio como um terremoto a fazer o céu desabar sob o panteão em declínio.

“Síncope Jãobim” é mais um daqueles episódios indescritíveis, onde Tom deixa a voz soar áspera e intimista sobre a base de samba, para relembrar a essência do estilo - enaltecido pelos vocais de Andréia Dias - em versos afiados: “Que trouxe de Juazeiro, ensaiada no banheiro, a levada desossada que fez um salseiro e que desova na trova”, pois não é que na falta de estrutura que reside todo seu perfume e luxúria?

O espírito arrebatador da Bossa é sentido em “Outra Insensatez, Poe”, com participação de David Byrne, que reproduz sua versão em inglês, exteriorizando o sentimento de uma geração diante da musical caixa de Pandora que se abria na percussão sequenciada, ruídos paranóicos e os vocais lívidos do compositor.

Mas, o senso crítico volta na divertida “Mulher na Música”, tratando da desmistificação das grandes interpretes do período, que deveriam permanecer imbuídas em sua aura de musa. Além da poesia rasgada do inteligente “Bolero de Platão” que faz pouco do sentimento de superioridade dos letristas da Bossa (afinal, Vinícius foi parar na lista da Fuvest) em relação aos ultra-românicos compositores do bolero, destruindo o amor ideal dos anos dourados com o mesmo senso de Bukowski.

Mas talvez, o maior destaque esteja em “Brazil, Capital Buenos Aires”, uma síntese descompassada e irônica da participação da Bossa na formação da cultura e identidade nacional, em arranjo coeso, repleto de clímax bem orquestrados nos timbres sinuosos das cordas.

Em suma, um trabalho relativamente inventivo, capaz de entreter e reciclar um estilo, atualmente, impregnado de nostalgia comercial e picaretagem que pouco acrescenta às prateleiras. Extremamente recomendado aos fãs da Bossa e da boa antropofagia de impulsos tropicalistas do eterno mestre de Irará.

King Crimson - Overview

2011-04-16T16:02:00.001-03:00

Pois é, aqui estamos novamente a postar nesse espaço tão verborrágico.

Dispensando qualquer re-apresentação melodramática, trago-lhes um dos meus projetos que larguei em animação suspensa entre o hiato. Trata-se de um novo formato de post, uma espécie de “overview” da obra de determinado artista, não necessariamente muito aprofundada, a ideia é apresentar extensas discografias de artistas consagrados a quem estiver à procura de um ponto de partida ou, ainda, possibilitar uma segunda visão em relação a trabalhos nem tão recordados, mas que merecem certo destaque. Como texto inaugural, escrevo sobre o King Crimson, figura recorrente do blog, e pela qual retenho certa idolatria.

O Crimson nasce no momento essencial de mutações da música popular. Naquele rebuscado meio da decadência de parâmetros antigos, anseios pelo novo e tensões políticas, três jovens músicos buscavam imprimir sua marca: “Giles, Giles e Fripp”. Procurando pela internet, poderão encontrar algo, um misto entre o british pop e suave nuances experimentais. O baixista Peter Giles mostrava-se frustrado com a falta de sucesso comercial, tentando aproximar-se cada vez mais do pop vigente. A mente de Fripp flutuava em busca desse novo ímpeto, o que seria alcançado com a presença de novos integrantes: Ian McDonald, Greg Lake e o letrista Peter Sinfield.

Giles não concordava com os rumos que o grupo parecia tomar e partiu para outros projetos. Nesse entremeado surge “In The Court of the Crimson King”, um dos trabalhos mais aclamados pelos fãs e pela crítica.

Esse LP é emblemático, as ondas pomposas e melancólicas emanadas pelo mellotron, ditariam os contornos de um estilo que se moldava, através da sutileza do importante Moddy Blues. Os vocais passivos de Lake trazem todo o sentimento de depressão de uma geração que se erguia sem perspectiva, diante de uma guerra que estourava e de outra, que poderia estourar. Mas, não era só do clima bucólico e árcade que vivia o King Crimson: o grupo vinha para chocar com as guitarras afiadas e lacerantes que emergiam de um groove jazzístico improvisado em ataques à mentalidade doente que se anunciava. “21st Century Schizoid Man” traduzia em sua poesia rica e seus experimentos agressivos algo que transcendia a compreensão artística do rock que se apresentava.

O King Crimson regurgitava influências de um jazz belicoso, de Thelonious Monk a Ornette Coleman, da febril música erudita contemporânea, sem deixar de lado as tradições ultra-românticas e certos ares do pop do período.

Uma ruptura se inaugurava: dos veios do grupo se estruturaria o rock progressivo.

Lake deixaria a banda, em seu segundo trabalho “In The Wake of Poseidon, para formar seu próprio épico: Emerson, Lake and Palmer. De fato, o disco de 1970 é um dos menos atraentes projetos da banda inglesa, não por falta de qualidade, apenas pela semelhança saliente com o disco anterior que acaba reduzindo um pouco de seu potencial, sem deixar de lado belíssimas composições como a faixa-título ou “Cadence and Cascade”. O grande destaque talvez seja “Pictures of City” que segue estrutura similar ao clássico do disco anterior, sendo possível notar certa influência da Cena de Canterbury.

Com line-up reformulado é lançado “Lizard”, o meu preferido desses primeiros momentos da década de setenta. O trabalho é balanceado, maduro, sintético e suntuoso ao mesmo tempo, sem tornar-se enfadonho ou inverossímil. A fantástica “Cirkus” mescla os ares pastorais e delicados emergidos das teclas às guitarras sisudas em contrapontos interessantes que promovem um encontro atemporal entre a magia barroca com o peso da vida urbana. Esse clima fantástico se estende pelas faixas seguintes, com passagens galantes dos sopros que ainda são capazes de demonstrar certas doses de humor. O grande momento é a deslumbrante faixa título em seus apaixonantes vinte e três minutos que transcorrem pelo jazz suburbano e nostálgico, grandiosos movimentos orquestrados, regados à passagens de lirismo brilhante e frases sensoriais dos diversos instrumentos. O grande problema, talvez seja a falta de sincronia entre o vocalista Gordon Haskell e o letrista Peter Sinfield, que tornava sua tiradas ainda mais ácidas e sua linguagem mais rebuscada.

“Islands” do ano seguinte pode ser visto como um reflexo desses impulsos megalomaníacos, adentrando temas herméticos, ainda mais densos que levariam ao afastamento do grupo. De fato, liricamente “Islands” impressiona, mas não empolga em outros ângulos, soando como uma audição mais plana, próxima ao progressivo de outros grupos.

O grupo via-se num momento de transição: Yes e Genesis povoavam as ondas desse novo estilo, que o Crimson se viu a difundir, enquanto Ian McDonald, responsável pelo colossal ar sinfônico de suas composições, partia em novos projetos.

Finalmente em 1973, surgiria uma das obras máximas da música popular. “Lark´s Tongues in Aspic” traz em seus contrastes, experimentos com o free jazz, montagens polirrítmicas complicadíssimas, contrapontos disformes e dissonantes, adentrando influências da escura música de câmara de compositores como Bártok, sobrepostas pela esquizofrenia potencializada das guitarras de Fripp. O Crimson chegava a seu ápice, espantando o mundo com as sandices artísticas de Jamie Muir, as estruturas apoteóticas de Bill Bruford, as brutais e sanguinolentas linhas melódicas de David Cross e o baixo improvisado e cataclísmico de John Wetton. A quebra de parâmetros avançou um novo nível, que já dava notícias desde “Lizard”. O peso colhido do heavy metal surgia em uníssono com a instabilidade do violino “stravinskiano” de Cross que se estendia voraz por bases pontiagudas de guitarra e construções em relevo erodido.

Não havia como esperar mais daquela banda que chocava seu antigo público e inspirava aqueles que se deliciavam com a beleza nada óbvia de seu novo estilo. Surgiria então “Starless and Bible Black”, a inaugurar um novo período musical. “Starless...” soa um tanto menos orquestral, mas ainda mais pesado, prosseguindo com os devaneios atonais e os experimentos electro-acústicos que devem ter vindo a influenciar diversos grupos futuramente, que vão da cena de Rock In Opposition à Mahavishnu Orchestra.

Essa nova sonoridade tomaria forma compacta e bem estabelecida no clássico “Red”, de 74. “Red” é um disco senil, saído do subconsciente de uma mente doente. O grupo cria ambientes catastróficos e agonizantes que se estendem por plataformas atonais e ruidosas como na fantástica “Providence”, que viria exercer peso esmagador sobre Univérs Zero e outros grupos relacionados ao rock de câmara. Pouco dos contrapontos extravagantes de reminiscências barrocas surgem por aqui, as linhas de baixo tornam-se voláteis, a guitarra assume uma linearidade surrealista e o violino exprime seus berros em compactos assustadores.

A trinca “Lark´s Tongues In Aspic”, “Starless and Bible Black” e “Red”, elevaria o rock a outro patamar, mostrando uma banda entrosada e comprometida que age sobre a indumentária de uma pequena orquestra, onde cada instrumento desempenha objetivamente uma proposta inteligente. Nessa fase de meados setentistas, o Crimson adere suas nuances mais tenebrosas, escuras e desiludidas com a realidade. O impulso da cacofonia dadaísta se resume a experimentos transversos e bem delineados, o free jazz de “21st Century Schizoid Man” e “Moonchild” se perde em meio as aparentes incongruências moldadas pelas quebras rítmicas constantes da virtuose de Bruford que alavanca o palco perfeito a entalhes amorfos das cordas.

Mas, o crepúsculo se aproximava e o grupo entrou em hiato indefinido. John Wetton seguiu como “superstar” do progressivo, que logo entraria em decadência; Robert Fripp explorou a música ambient ao lado de Brian Eno, dando vazão as sandices que o assolavam e Bill Bruford, seguiu projetos relacionados ao jazz e sua mentalidade transcendente, retornando, vez ou outra, ao Yes que se fragmentava.

No início da década de 80, Fripp almejava montar um novo grupo, algo novo, distinto daquele Crimson sisudo e agressivo que o marcara. Recrutou o camaleônico Adrian Belew, que trazia os acidulantes “zappísticos” e o new wave moderno e tecnológico do Talking Heads; Tony Levin, em seu humor swingado coerente com o novo instrumento que marcaria todo uma era progressiva, o “Chapman Stick” e por fim, o velho Bill Bruford sempre atento às inovações.

Essa fase mesclava os parâmetros angustiantes dos anos setenta, a uma leveza desprendida que encandeava os novos movimentos em alta. Esse Crimson era capaz de criticar a realidade, de maneira pouco óbvia, afastando da sujeira crua proposta pelo punk, falando das frivolidades e perdições do homem moderno. “Discipline” foi, e ainda é, muito criticado por fãs que não conseguiram se desvencilhar do aspecto grave de outrora, para esses, o King Crimson havia tornado-se um grupo pop.

“Beat”, de ares inebriantes, tomando como conceito a popular literatura que moveria o mundo décadas antes, só agravaria esse aspecto.

Pessoalmente, sou um grande fã desse período. As vozes contrastantes de Tony Levin, os efeitos satíricos de Belew e o refinado senso compositivo de Fripp e Bruford, produziam um Crimson lírico, psicodélico e nem por isso, menos complexo. Diversas vozes – de elefantes a Keruac – invadiam ambientes moldados em timbres sintéticos e espalhafatosos, sem deixar de lado os ângulos agudos e obtusos das construções rítmicas e as psicoses guitarrísticas de Fripp, que encontrou em Belew, o parceiro perfeito. Prova disso? ELEPHANT TALK!

“Three of Perfect Pair” é um pouco mais poluído, desenganado, trazendo temas ásperos e esmagadores, como na fantástica “Industry” e sua percussão metalúrgica e aterradora que reflete tão bem a realidade do concreto. Mas ainda há espaço para beleza, quando as vozes entrecruzam-se bailando em convergência na faixa título. Sem desmerecer as experiências climáticas aterradoras de “No Warning”, que merecem destaque especial.

Esse é um dos meus álbuns favoritos, possivelmente influenciado pela rítmica incessante de Steve Reich, entrecortada por tudo que até aqui fora digerido, numa dieta balanceada entre o melhor de seus predecessores diretos. A banda mostra-se mais eletrônica e contemporânea, como deixa extravasar na terceira parte do épico “Lark´s Tongues in Aspic”, enquanto o groove de “Sleepless” ergueria um modo compositivo que se estende até hoje, nas diversas falanges do grupo.

Mais um longo hiato, até meados da década de 90, quando surge “Thrak”, de um duplo trio, composto por Fripp, Belew, Levin, Bruford, Trey Gunn e Pat Mastelotto. Esse disco possui diversas passagens interessantes, mostrando um grupo no intuito de se reciclar, soando agora mais pesado e agressivo, como nunca antes se havia visto. As construções são mecânicas, ruidosas, repleta de relevos irregulares e disformes, enquanto de outro lado há um resgate do lirismo singelo dos primeiros passos da banda que explodem em “Walking in the Air” e no belo interlúdio da poética guitarra de “Vroom”. O espírito sarcástico de Belew aflora nas letras divertidas de “Dinosaur” e nas doses concretistas de “Sex Sleep Eat Drink Dream”.

Então vieram os anos 2000. Se “Thrak” e suas falanges mostravam a confluência de “Red”, “Discipline”, metal industrial e música ambient, “The ConstruKction Of Light” é mais uma ruptura. Esse disco pouco comentado, é excepcionalmente “metálico”. Todos os impulsos bélicos concentram-se em frases potentes que se reestruturam numa rítmica desafiadora, que evoca ângulos esquizóides, efeitos cataclísmicos e fraturas caóticas que mais uma vez vem chocar o ouvinte. O Crimson se adaptava ao novo progressivo, de bandas como Tool, em suas veias bizarras e cadentes, repleta de contrapontos abstratos e irritadiços que sobrevoam faixas como a suposta suíte título. A improvisação retorna impassível, as texturas sobressaltam em arabescos pontiagudos e a música revive robotizada. Para alguns, “The ConstruKction Of Light” carece de certa originalidade e criatividade, explorando temas antigos numa roupagem mais “intragável”. Pode ser, mas essa roupagem intragável é fascinante.

O último trabalho de estúdio foi “The Power to Believe”, de 2003. É de consenso, esse disco é fantástico, trazendo de volta os devaneios tecnológicos do grupo de modo a fundir sua sonoridade tão vasta que passa do metal ao ambient, de Phillip Glass a Bela Bártok. O resultado é um dos melhores trabalhos do grupo, sendo talvez, o mais interessante dos últimos projetos. “The Power to Believe” é uma compilação interessante de ideias que dá vazão a momentos ousados e instigantes como “Level Five” e a mais famosa “EleKtriK”.

O fato é que não consigo encontrar críticas a nenhum trabalho do grupo, que pode ter, eventualmente, reaproveitado certas fórmulas, mas sem perder o instinto “progressivo” que sempre guiou sua mentalidade. Para nossa felicidade, aparentemente um novo disco está para ser lançado nesse ano, batizado de“A Scarcity of Miracles”. Posso afirmar que é o trabalho que mais aguardo (juntamente ao novo do Mars Volta, do qual participará Robert Fripp), sendo a provável força que moveu esse post.

No mais é isso, meus caros, espero que esse retorno seja produtivo e que mais uma vez, possamos discutir os mistérios musicais dos mares tortuosos que costumamos navegar.

E em breve, darei início a série de posts infindável que falará sobre a boa música nacional.

Hiato

2011-03-26T11:36:00.000-03:00

Venho anunciar, com certo pesar, o hiato desse blog. Como já está aparente, ando sem tempo para escrever novos posts, estou em ano de vestibular e tudo remete à loucura a minha volta. Não sei, exatamente, por quanto tempo estarei fora, mas acho que cerca de um mês, não mais. Preciso de meus fins de semana para ler algumas coisas que me faltam e logo em seguida estarei de volta com novas idéias.

Para atiçar a curiosidade de todos, entre os novos formatos de postagens que pretendo implantar está a "overview" da obra de determinado artista, assim quem busca começar a ouvir certo grupo, poderá basear-se, ainda que tortamente nesses comentários, válidos, também, a quem busca somente uma revisada em trabalhos conhecidos. Além disso, trarei também um ciclo de postagens sobre música brasileira e tudo que há de bom por aqui. E para fechar, maior inserção na música erudita ou pelo menos, uma tentativa inválida.

No mais, é isso meus caros, agradeço a paciência e a colaboração de todos e espero estar de volta antes que sintam minha falta.

Um grande abraço a todos e até mais!

On Phenomena and Existences (2010) - Rational Diet

2011-03-12T16:49:00.000-03:00

Gostaria de alertar aos fãs desavisados (como eu) do dito rock de câmara, sobre as produções da gravadora “AltRock”, que parece ter se especializado no gênero. Inconscientemente, alguns de seus títulos já transitaram pelo blog, como é o caso de RoqueForte e Iridule, de Aranis e Yugen respectivamente (o segundo merece uma revisão mais cuidadosa, inclusive).

Explorando o rico cardápio disponibilizado no site da produtora, encontrei mais alguns bons exemplares.

Caso do Rational Diet, da Bielorrússia, alvo de nosso post. Após um primeiro contato bem sucedido via vocêtubo, fui atrás de seus mais recentes esforços em “Rational Diet”, “At Work” e “On Phenomena and Existences”. O desenvolvimento de sua sonoridade é claro. O primeiro (de 2007) trazia um grupo ainda tímido e muito influenciado por Univérs Zero e Art Zoyd (em seus primeiros trabalhos), numa atmosfera acústica que já dava claros indícios de sua herança russa.

“At Work” conseguiu prender mais minha atenção, apesar de ainda soar muito próximo dos grandes grupos de RIO de antigamente. Isso se faz claro pelo saliente uso de fagote, com fortes reminiscências de Univérs Zero, pelas guitarras sombrias que apontam diretamente ao King Crimson, sem esquecer da estruturação intrincada que evoca um pouco dos contrastes de Stravinsky ou da música de câmara brutal de Bártok. O disco alterna passagens inspiradas e bem resolvidas a momentos inconsistentes e provavelmente descartáveis. Pouco parece improvisado, mostrando o dote compositivo complexo por parte de todos os membros.

De um modo ou de outro, recomendo-lhes “At Work”, principalmente por faixas como “Closed Case”, “Horse Army” e “Condemended”.

Nesse último trabalho, o grupo afirma influências de Henry Cow, Shostakovich, Stravinsky e Present (que sempre me soou como uma falange do Univérs Zero). Não conheço a fundo o trabalho de Shostakovich, aliás, é um dos compositores que estou para explorar, assim, não comento.

De fato, acho que o grande trunfo dessa gravação esteja nas bases profundamente enraizadas na música erudita, sem a pesada influência do RIO que vinha ocorrendo. O clima é ainda mais acústico, as guitarras perdem um pouco de suas flutuações Crimsonianas, soando mais limpas e cristalinas, o fagote surge num aproveitamento mais autoral, criando temas de um esmero que apontaria aos grandes compositores russos, sendo o mais próximo, talvez, Prokofiev. Ainda sim, a presença de Zero é inevitável, seja em algumas progressões do piano (que surge mais comportado, em ataques suavizados) ou nas grandiosas relações instrumentais arquitetadas.

Mas, se está tão próximo aos conceitos já explorados por outros grupos que compartem a estilística, por quê ouvir Rational Diet?

Essa é a pergunta que tenho me feito nos últimos dias. Na realidade, o grupo produziu algo inédito – pelo menos a mim -, gerado um blend perfeccionista entre o rock de câmara e as intrincadas estruturas do zeuhl. Logo encontramos vocais operísticos (e femininos, ah Koenjihyakkei...), agressivas passagens em multicores e estruturas rítmicas desafiadoras, com um pouco de esforço é perceptível uma aproximação ao Math Rock no que diz respeito ao setor percussivo.

Outro detalhe que chama a atenção são os experimentos tímbricos, onde madeiras parecem soar como sopros, teclas surgem aeradas, enquanto outros instrumentos criam únicos entalhes mixados. Ao longo do CD, é possível detectar alguns desses timbres exóticos explorados pelo grupo.

A produção é excelente, permitindo que os instrumentistas brilhem em igual proporção, afinal o que se nota na estrutura formal do estilo é um detrimento da atuação individual em prol das relações melódicas geradas pelo conjunto. E como tal aspecto consegue emergir brilhante nas contraposições espectrais de cello e violino de “Sleep is Teasing A Man”, que alterna momentos de tensão agonizante em pesados ataques percussivos a um espírito quase cômico, indescritível, nos solavancos entre o fagote e o tema de guitarra.

A próxima, “Human Life in the Wind”, entrega maior destaque as montagens rítmicas incluindo trabalho estonteante da bateria que interage de maneira sobrenatural as inserções ofensivas de violino (aqui sim, com toda a pompa do Zeuhl) e as eventuais “interplays” do piano, cujos padrões ascendentes parecem dominar os conceitos harmônicos da gravação, executando complexas fugas em momentos.

“Somebody In The Spacious Tail Coat” é moldada sobre uma linha de walking bass (providenciada pelo baixista convidado Viacheslav Plesko), em algumas sincopes jazzísticas, que vão direcionar a mais relações interessantes, quando a aparente simplicidade do tema no órgão transita incongruente ao cenário que se forma à sua margem.

A faixa seguinte, “Unexpected Feiertag In Chemnitz”, traz um interlúdio em estilo romântico que muito lembra Focus, soando um pouco menos inspirado, em oposição fervorosa ao conteúdo do restante do trabalho.

A atmosfera onírica retorna em “A Man Went To Sleep” (sugestivo, não?), onde excelentes interplays entre madeiras e sopros dominam um estilo sombrio que homenageia brilhantemente os grandes compositores russos, principalmente o trabalho de Prokofiev.

A essa altura já é possível notar o equilíbrio primoroso entre composições mais voltadas ao erudito e as enérgicas criações direcionadas ao rock, sempre explorando suas possibilidades ao limites. “Chamber Illuminated by the Dark Lamp” traduz um dos melhores momentos da gravação, principalmente pelas relações angulares construídas, onde diversos elementos convergem contrastantes seguindo certa lógica invisível e extremamente complexa. Em seus 1:47 são expressos infindáveis fraseados delirantes com espetacular trabalho de piano e fagote que erguem-se como magistrais elementos antagônicos .

A partir desse ponto a banda surge mais segura, as guitarras voltam a cobrar seu destaque, as passagens tornam-se ainda mais inconstantes e criativas, mudanças de tempo tornam-se frequentes, o violino incide visceral, enquanto as vozes rodopiam gerando o efeito avassalador. Como é sintetizado em “Bet on Marked Card”.

Os dois momentos a seguir surgem um pouco menos inspirados, como o que se é notado em “In the Late Summer” que reflete muito do que já foi até aqui desenvolvido e “Living The Main Life” que traz fortes reminiscências de “Ceux Du Dehors”, do Univers Zéro.

Recuperam-se na fantástica “Private Secrets of Machine” num tênue caminho transcorrido entre o rock e o erudito, trazendo o peso da guitarra distorcida, devastações rítmicas e contrapontos melódicos pontiagudos, como num encontro delicioso entre Gentle Giant e Stravinsky.

“Weimar Period” é uma bela passagem que relembra algo do bucolismo eslavo, porém pouco agrega ao conteúdo do álbum.

“The End of The Almshouse” traz de volta todo o tenebroso impulso criativo do grupo, em intrincados cenários contrapontísticos, culminando na explosão total de razões, moldada sobre firulas galopantes que margeiam a melodia principal.

O clímax do disco pode ser encontrado, possivelmente, na pesadíssima “Passacaglia In Beautiful And Furious World” numa aproximação climática, de passagens assombrosas que opõe-se ao que pode sugerir sua iluminada introdução que aos poucos desfalece para dar lugar a uma roupagem próxima ao Zero, tão bem aproveitada, que chega a ser irrepreensível.

Fechando o disco de maneira pouco convencional surge “In Five Steps”, sem todo o majestoso clima de proporções titânicas que se emoldurou até aqui, trazendo linhas melódicas mais usuais, que mais uma vez apontariam aos mestres russos, culminando numa série vagarosa de acordes no órgão, arejados pelos vocais que conduzem o disco a seu término.

De maneira geral “On Phenomena and Existences” é um trabalho sólido, resgatando eficientemente boas influências, sem deixar de aderir camadas experimentais surpreendentes, desde alicerces rítmicos camaleonescos, golpes harmônicos que antecipam seus compassos, a contrapontos incongruentes complicadíssimos que coincidem de maneira brilhante, para dizer o mínimo. O que falta é sempre aquele instinto mais subversor, ignorando um pouco da tradição do gigante Univers Zéro que ainda surge imponente como parâmetro compositivo a esses músicos. De uma forma ou de outra, me diverti muito na audição desse trabalho equilibrado e “racional” do promissor grupo que ainda precisa ousar mais, como é o caso de tantos outros que se atrevem a esse tipo de sonoridade

3,5/5,0, excelente, mas ainda carece de mais inventividade.

Dia de Palhaço - A base do meu mau gosto musical

2011-03-07T00:38:00.004-03:00

Entediado numa noite de domingo, resolvi disponibilizar um post adicional pro blog, bem simples, apenas para descontrair.

Quase um ano e meio após a fundação dessa birosca, começo a perceber que venho me posicionando como um sub-crítico, um guia mal formulado do underground, o mais canastrão dos metidos a entendidos de música. Sendo assim, para quebrar o valor imaginário de minhas resenhas, trago-lhes um pouco do meu mau gosto musical, homenageando também nosso querido Phill Collins, que após anos de contribuição para a boa música (e para sonoridades de índole duvidosa), declarou sua aposentadoria. Uma grande saudação a um dos maiores bateristas dos tempos áureos do prog, que tenha um bom descanso.

Para iniciar essa mini-epopéia por tudo que é ruim, trago-lhes, diretamente da Finlândia, o HIM. Sendo sincero, HIM é talvez a banda de pseudo-metal mais pavorosa de todos os tempos. Em sua sonoridade há um amálgama indecifrável entre um sentimentalismo exacerbado (vomitório na certa) e um metal elegante, de ares nebulosos – até góticos, alguns dizem. O resultado é indizível, uma merda de verdade. Vejam a atrocidade que fizeram com o clássico “Don´t Fear the Reaper” do Blue Oyster Cult (é o máximo):

Don´t Fear the Reaper

O segundo aborto vem dos anos 80. Sim, esses anos foram difíceis, pelo menos na música mainstream. Emergido diretamente desse meio, surge o ícone do synthpop (que guiaria todos os enlatados do dia-a-dia): os noruegueses do A-Ha. Preciso dizer mais alguma coisa? TAKE ON ME (ainda adoro os vocais dessa faixa).

Take On Me

Sempre critiquei o rock americano (com óbvias exceções), em especial ao de bandas como Styx, Kansas, Aerosmith, porém, gosto da pior delas: Journey. Tudo no Journey é extremamente comercial, mas e daí? Arena Rock serve pra divertir, não é mesmo?

Don´t Stop Believing

Pra demonstrar que continuo ouvindo porcaria, mostro o “glam pop” (redundância?), “dance rock” dos americanos do Scissor Sisters. A sonoridade é dançante, pegajosa, afetada... Pacote completo. Comecei a ouvir Scissor Sisters quando um amigo me enviou o cover, realizado pelo grupo, da imortal “Comfortably Numb”. Os problemas começaram quando eu gostei...

Aqui o link que sintetiza tudo que há no Scissor Sisters (obs: não posto a versão supracitada do clássico do Pink Floyd por considerá-la extremamente ofensiva, ouçam por sua conta e risco):

I Don´t Feel Like Dancin´

Mas, não é só de gringos duvidosos que ocupo meus ouvidos, aprecio muitas catástrofes brasileiras também. Algo que nem eu consigo compreender é minha afeição por César Menotti & Fabiano. Sim, pois não basta ser sertanejo, tem de ser romântico (leia brega), mas muito romântico, o cúmulo da dor de corno, de deixar Lupicínio Rodrigues orgulhoso.

Tentei Te Esquecer

Agora voltamos pra velha guarda. Meu avô era fã de carteirinha de Benito di Paula, algo que foi passado para mim, sendo cultivado de tal forma que vou ouvir “Meu Amigo Charlie Brown” até morrer. Deixando claro que respeito muito o senhor Benito como músico e pessoa, mas é muito cafona, tornando a experiência ainda mais irresistível.

Charlie Brown

Tirem as crianças da sala, aí vem carga pesada. Entre meus ídolos está... Rogério Skylab. Sim, o “high poet” de nossa literatura. Sou fã de ir a shows, de ter CD... uma desgraça só. Mas vamos aos fatos: Rogério Skylab é um subversor, um dos poucos roqueiros do Brasil que se atreve a experimentar de verdade. Um amigo diz que Skylab de tão “fuleiro” é genial. Sou partidário de outra teoria: Skylab de tão genial é fuleiro. Abaixo um dos clássicos da poesia concreta, do minimalismo, do avant-garde... Ah e esse ano teremos o “swan song” do músico, seguido de um show imperdível em julho.

Eu Chupo Meu Pau

Para dar o tiro de misericórdia nos ouvidos humanos trago-lhes o ícone do pop, a própria expressão do que ocorreu com o rock progressivo tradicional nos anos 80: o Yes. Sim, o Yes. Tudo começou a ruir com “Don´t Kill the Whale” de Tormato, a partir daí foi trilho sem volta em direção ao abismo (excetuando o fantástico “Drama”). O fato é que, nos anos 80 e 90 o Yes deixou de ser relevante musicalmente e artisticamente, para tornar-se em entretenimento e do bom. E não tenho como negar, eu gosto muito disso, tendo inclusive cantado timidamente “Owner of a Lonely Heart” na última passagem da banda pelo Brasil.

Aqui a trinca dos clássicos “pop” do Yes: Don´t Kill the Whale”, “Owner of a Lonely Heart” e “Walls” (notem como vai ficando pior a cada música).

Don´t Kill the Whale

Owner of a Lonely Heart

Walls

No mais, é isso meus caros leitores, espero, que ainda sejam capazes de nutrir um mínimo de respeito por esse blogger que vos fala, mesmo após esse post revelador e também que compartilhem via comentário, e-mail, enfim o que for, um pouco de seu “paladar auditivo” que não demonstre tantas razões para orgulho.

Até o próximo texto sério e não deixem de conferir a resenha (e o novo CD) do Faust logo abaixo.

Bom feriado a todos.

Something Dirty (2011) - Faust

2011-03-06T16:19:00.000-03:00

Eis que ouvi o novo do Faust, “Something Dirty”, de Jean Hervé-Peron e Zappi W. Diermaier. O que esperar de uma lenda do experimentalismo que resiste por mais de 40 anos?

Acredito que o termo certo seja “mostrar-se imprevisível”, num cenário tão diferente e abstrato de música popular, os anciões do avant-garde permanecem relevantes. Isso se torna possível pelas possibilidades estéticas geradas pelo grupo, ainda nos anos 70, quando lançaram maravilhas como “So Far” ou “Faust Tapes”, antecipando muito do que surgiria em seguida.

“Something Dirty” surge em função do som, do timbre, mostrando-se uma resposta imediata ao pós-rock, agora em sua versão eletrônica. Por si só, tal premissa já é interessante: assistir a esses vovôs a tentar reciclar sua fórmula, aglomerando influências que vão de Sigur Rós a Godspeed You Black Emperor!, só prova o comprometimento da banda com a arte, com a música, eliminando qualquer gota saliente de saudosismo.

Tal aproximação já é visível na trinca arrebatadora das três faixas iniciais: “Tell the Bitch to Go Home” emerge do groove ruidoso, onde a progressão harmônica visceral é rondada pela linha possante de baixo e base em motorik da bateria; todo esse aspecto roqueiro é dissolvido na espectral “Herbststimmung”, sobre o soar pesado do órgão, quase barroco, que vai evoluindo vagarosamente, em sombras misteriosas que crescem ao passo que novos timbres e aspectos são acrescidos, culminando em cenários espetacularmente vastos, de cadências multicoloridas, autenticamente pós-moderna, majestosa, épica; a faixa título é a primeira a adentrar o liquidificador de caos do grupo, demonstrando uma gama de noise incongruente sobre o drone, eliminando qualquer necessidade formal inicialmente, até erguer-se em dinâmica onírica, ainda mais imponente a cada nova audição, cinema para os ouvidos.

A esquizofrenia “Thoughts of the Dead” não consegue manter o equilíbrio criativo apresentando, que retorna com força total na sensual “Lost the Signal” que apontaria até ao trip-hop, em sua batida passiva que abre espaço para a avassaladora paixão vocal em frequente contraste ao vigor do baixo, que aos poucos cede para as sandices transversas recorrentes a sonoridade do grupo, nada comparável ao que ocorre próximo ao encerramento: um dos melhores momentos do disco, indizível, caótico, tempestuoso, magistral.

Permitindo a recuperação do estado de desatino, o inteligente interlúdio “Je Bouffe” traz uma valsa distorcida, extremamente condizente a atmosfera franco-germânica exalada pelos poros do disco, num dos momentos de nom-sense expressivo que só o Faust sabe proporcionar.

A partir daí estruturam-se os momentos mais experimentais e fragilizados do álbum que pouco conseguem agregar ao repertório, apesar das frequentes aproximações ao jazz avant-garde, world music, musique concrète e toda a fórmula já desenvolvida pelo grupo no passado, onde se pode ressaltar, talvez, alguns momentos da Jam-session do absurdo de “Dampfauslass”, em suas duas partes, que poderia muito bem coexistir com clássicos da anti-música ou do punk jazz dos anos 80.

O último grande momento está na agressividade sanguinolenta de “Pythagoras” em sua construção inconsequente, catártica, que atordoa quem ouve pelos dois minutos de agonizante devastação em colapso.

Em 2011, o Faust, aquele que chocou o mundo pela brutalidade de seus métodos compositivos, aleatórios, convulsos, tinha tudo para lançar uma obra-prima (e até chegou bem perto), mas acabou por pecar nas proporções. O que é desenvolvido em cinquenta minutos de música, poderia muito bem ser condensado num disco reduzido e, provavelmente, mais impactante, como a própria “Pythagoras” é capaz de provar.

Superior a seu predecessor “Faust Is Last”, do ano passado, Something Dirty traz um Faust ambient, melhor resolvido, mas infelizmente carecendo de um pouco mais de ímpeto, de criatividade. O esforço já é válido, despertando até uma veia curiosa: talvez um prenúncio de algo realmente grande que está por vir, como o final sugestivo de “La Sole Doree” pode sugerir.

3,8/5,0 um deleite para todos os fãs da boa música eletrônica e experimental.

Self-Preserved While Bodies Float Up (2010) - Oceansize

2011-03-03T16:47:00.000-03:00

Descobri recentemente que o Oceansize lançou um disco no ano passado, obrigando-me a procurar tal trabalho. Para quem desconhece, “Oceansize” é um dos projetos progressivos mais interessantes e completos da atualidade, emergido da sempre produtiva Manchester, compartilha um pouco do estilo do Amplifier, que recentemente surgiu por aqui.

Até o momento lançaram quatro discos de longa duração, sendo o último “Self-Preserved While Bodies Float Up” que, aparentemente, marcou o fim da banda, ou, pelo menos, um hiato.

Oceansize é imprevisível, volátil e inteligente, como se pode observar em trabalhos anteriores, com óbvio destaque ao épico “Frames”, que reúne uma diversidade gigantesca de elementos da cultura popular em síntese muito bem articulada que tange desde as mais amorfas linhas de stoner metal, experimentos com música ambient, rock psicodélico dos anos 60, progressivo dos anos 70, ícones da música avant-garde, algo da falta de perspectiva dos anos 80, a melancolia dos anos 90 e claro, algumas doses de pop que tornam sua música, ao mesmo tempo, intrigante e acessível.

Mas, segundo minha perspectiva, até Gentle Giant é “pop”, então não levem muito a sério tais comentários...

Quanto ao disco atual... Esse despertou sensações diversas. “Self-Preserved While Bodies Float Up” tem seus bons momentos e não são poucos, mesclando um turbilhão de informações, numa síntese da história do rock em passagens movimentadas que adicionam ainda texturas introspectivas de post-rock e estruturas agressivas e técnicas do math rock, que é esbanjado pela seção percussiva.

Ainda se podem ouvir vocais melódicos, até um pouco pastosos, apontando a canastrice do neo-prog com quem a banda vem eventualmente flertar. As melodias ainda são deveras interessantes, não se vê cadencias pentatônicas habituais, apenas escalas completamente heterodoxas que confluem a efeitos etéreos de guitarra, flutuações eletrônicas, numa roupagem moderna que resgata eficientemente um clima vintage com nuances de Pink Floyd, ou mesmo certas dissonâncias a lá Gentle Giant.

O que esperar então de “Self-Preserved While Bodies Float Up”? Um disco próximo do prog de antigamente, claro, em forma mais atual e revigorada, onde poderemos encontrar uma série de baladas, de consistência, é verdade, mas ainda sim, o disco de nome elegante não atinge a mesma qualidade de alguns esforços anteriores.

Entretanto, Self-Preserved... se mostra um trabalho muito válido dessa talentosa banda que já deixa saudades, por sua sensibilidade na construção de melodias que fogem de padrões clichê, sem negligenciar um lado aprazível que chega a causar dependência, como se pode notar na fantástica “Oscar Acceptance Speech” de ares sinfônicos, sobre um contorno crescente de post-rock que margeia o noise muito bem aplicado, liderando viradas rápidas de bateria, riffs inexpressivos, interlúdios de piano de modo muito belo realmente.

Tal composição “majestosa” vem contrastar com a assustadora abertura “Part Cardiac”, em seus riffs de doom metal cataclísmicos, filtrados através de muita distorção que eriça passagens ruidosas ensandecidas ofuscando o vocal espectral que lembra um pouco de grupos de metal progressivo como “Opeth” ou até mesmo algum trabalho obscuro de Mike Patton.

Super Imposer vem quebrar a impressão de peso gerada pela faixa inicial, que acaba por destoar do restante do disco, o que não é novidade, tendo em vista o eclético estilo compositivo do grupo. Nuances inspiradas, eventuais quebras de tempo, vocais melódicos, puro prog-retrô e até que não faz feio, principalmente se levarmos em conta as alternâncias rápidas de temas que mantém a idéia de que tudo caminha para uma mesma direção, com eventual destaque as passagens mais carregadas que se aproximam do hard rock.

A faixa seguinte mostra faceta similar, mantendo a energia e o sentido carregado pela composição anterior, em texturas muito bem desenvolvidas que se erguem incógnitas diante do ouvinte em passagens cristalinas de guitarra, ecos atmosféricos de Radiohead e muita movimentação. “Build Us A Rocket Then...” mostra um estilo quebradiço, repleto de intervenções e vozes incongruentes que apontariam – mais uma vez - a Gentle Giant, que parece transbordar pelo disco.

Após essa série de bons momentos nos deparamos à rançosa “Ransoms” (perdoem o trocadilho), que parece invocar os momentos menos criativos de Pink Floyd, aliados aos trabalhos mais fracos de Jeff Beck. Balada extremamente dispensável.

“A Penny´s Weight” alterna bons e maus momentos, com certo destaque a construção rítmica – compassos interessantes, entretanto mal utilizados – que ainda parece distante das plenas capacidades compositivas do grupo.

Após o turbilhão de introspecção leitosa das últimas faixas, retornamos com “Silent/Transparent” em interessantes contrastes entre as vozes, assegurando a atmosfera que vem sendo reproduzida ao longo do álbum – visivelmente há uma forte conexão entre as faixas. O clímax é mais agitado e interessante, mas os diversos elementos que surgem enriquecem a composição, demonstrando bom gosto na escolha de timbres e efeitos, numa semi-balada espacial, bastante nostálgica.

“It's My Tail And I'll Chase It If I Want To” traz mais um dos grandes momentos da gravação, afastando a imagem sonolenta que aos poucos se moldava, através de construção muito movimentada e ágil, que ainda sim não é de grande destaque.

As faixas seguintes recobram o clima tímido que predomina durante o disco sem muito acrescentar.

Veredicto: Estou decepcionado. Esperava muito mais do Oceansize, especialmente em seu “swan song”, pois sei que a banda é capaz de apresentar mais, exceder seus limites, representar o atual momento do rock de maneira ímpar. Mas, “Self-Preserved While Bodies Float Up” soa redundante, e mesmo em seus melhores momentos não atinge a qualidade de trabalhos anteriores. Ainda sim, apresenta belas passagens de cunho sinfônico, ressaltando especialmente as nuances avolumadas de pós-rock, sem negligenciar momentos elétricos, agressivos, como na fantástica “Build Us A Rocket Then...”. No geral não é um disco ruim, que vale conferir. Sendo generoso sou capaz de dar 3,0/5,0. Muito saudoso de Frames...

Stick Men - São Paulo!

2011-03-02T21:53:00.000-03:00

Primeiramente, gostaria de me desculpar pela ausência, mas ando realmente sem tempo, espero trazer algumas resenhas novas à partir de amanhã, afinal muitos discos recentes chamaram minha atenção e me sinto na obrigação de compartilhar essas experiências.

Venho avisar também sobre o show do Stick Men (grupo formado por Tony Levin, Pat Mastelotto e Michael Bernier), que passa pelo Brasil nos dias 19 e 20 desse mês, no SESC Belenzinho, em São Paulo. Oportunidade imperdível para os fãs de King Crimson e de todo bom prog que está sendo feito hoje. Nesse fim de semana já correrei atrás do ingresso.

Mais informações a respeito do show podem ser lidas aqui. Aos interessados, disponibilizo também a resenha postada previamente no blog, nesse link.

Sem mais delongas, até breve!

The King of Limbs (2011) - Radiohead

2011-02-23T18:28:00.001-03:00

Andei meio afastado do blog e acredito que as postagens se tornarão mais esporádicas, principalmente a partir da segunda metade do mês que vem.

De todo modo, trago-lhes hoje minhas impressões sobre o novo CD do Radiohead, “The King of Limbs”. Sei que grande parte do público desse blog cultiva certo preconceito contra a banda e isso é muito fácil de entender: tanto pelos fatores históricos, tanto pela própria personalidade incerta do grupo. Sim, Radiohead começou como uma banda de pop melancólico mainstream nos nebulosos anos 90, estourando com faixas grudentas como “Creep” ou “Fake Plastic Trees”.

Muito passou desde então, surgiu “Ok Computer” e em seguida, discos ainda melhores e mais experimentais. Segundo meu gosto pessoal, o ápice pode ser encontrado no experimento com música ambient (e muito, mas muito mais) “Kid A”, um dos melhores trabalhos de nosso tempo. O seguinte “Amnesiac” segue linha similar e não decepciona.

O fato é que “Radiohead” vem nos surpreendendo e impressionando com misturas corajosos que abrangem música eletrônica, krautrock, rock psicodélico dos anos 60, música erudita do século XX, pós-punk, jazz-fusion e por aí vamos...

Quem esperava de “The King of Limbs” um disco mais voltado às guitarras, como ocorria em “In Rainbows” (no qual pude sentir até influências de “The Doors”), deve ter se decepcionado.

O grupo retorna a seus experimentos diversos, soando agora de maneira mais brilhante, melhor resolvida. A introspecção atormentada dos discos anteriores, se liquefaz em ondas harmoniosas de cadência cristalina, relembrando ecos levemente paranóicos, ressaltando especialmente os contrastes rítmicos e as relações harmônicas, que eriçam o ouvinte de modo galante e inesperado.

A rítmica permanece extremamente precisa, quase robótica, adentrando a compassos quebrados e movediços, como na fantástica “Little By Little”, por onde vemos surgir uma incongruência extremamente tentadora. Aliás, é preciso destacar propriamente o “dégradé” entre as vozes condensadas, que se esparramam em várias dimensões, e a atarefada sessão percussiva de temperos bem familiares. O que ocorre a partir de “3:20” é uma das cenas mais belas e perfeitas da música atual, inenarrável: a sobreposição das notas da lírica instrumental que coincide às espectrais movimentações eletrônicas e a fantástica base em baião!

Como já se é possível imaginar, o desenvolvimento das faixas em muito aponta ao minimalismo, sempre em construções coerentes, trazendo-nos uma enorme porção de drones e motoriks percussivos.

Tudo isso se exprime na faixa mais avant-garde do CD, “Feral”, sem uma melodia constante, por onde vemos surgir e imergir, a linha de baixo de aspecto sintético, sobre a percussão de ares latinos (em alguns momentos se exalta levemente, é sutil, mas fantástico) que guia os efeitos eletrônicos que recortam um cenário impensável, envolvendo o ouvinte, com suas diversas texturas, em uma série de absurdos acontecimentos por todos os lados, muito a se analisar por aqui.

A abertura já é impressionante: “Bloom” traz experimentos com música eletrônica, causando um efeito obtuso entre os ângulos da bateria e do baixo que coincidem de maneira surpreendente, enquanto ao longe ecoam efeitos eletrônicos, por onde trafegam vozes transcendentais, incluindo até uso de sopros, sem afastar-se da estrutura pontiaguda bem delineada (que durante a minha primeira audição, roubou todo o foco). Os timbres vão erguendo-se majestosamente gerando novas impressões, de modo onírico, inebriante.

Efeito esse causado também pelas climáticas “Codex”, em sua suave e refinada harmonia, por onde transcorrem ecos estratosféricos, a voz apaixonada e até épicos ressoares dos sopros que muito bem poderiam fazer parte de “Kid A”, e “Give Up The Ghosts” que usa a manipulação de fitas para gerar o delicado som dos pássaros, originando uma singela atmosfera quase-folk, por onde incidem diversas nuances em cores frias, de beleza inigualável, passando pelo coro etéreo, as frases de guitarra que se esgueiram, os pontilhismos do baixo e a suave harmonia do violão.

O ponto mais “fraco”, assim digamos, fica por conta de “Lotus Flower”, onde a banda demonstra sua faceta mais “pop”, ainda sim, se todo o mainstream fosse constituído de grupos do nível de Radiohead, estaríamos muito bem atualmente.

“The King of Limbs” é um disco sólido e curioso, mergulhado numa atmosfera mais clara e muito menos sombria que a de alguns trabalhos anteriores, restando poucos resquícios de agressividade. Por aqui se ouve mais influências de Miles Davis (como se reflete em Bloom, por exemplo), além de retoques reciclados de sua própria sonoridade, especialmente no uso dos timbres que surgem de maneira homogênea.

Nesse último trabalho, Radiohead disponibiliza uma experiência intensa, talvez nem tão radical quanto lançamentos anteriores, o que não prejudica a qualidade da gravação, onde claramente a banda faz o que gosta, afinal já não precisam provar nada.

4,0/5,0, uma excelente aquisição para todos os fãs da boa música de hoje, que obviamente, não atende a todos os paladares.

Höyry-Kone

2011-02-17T16:28:00.001-02:00

Diretamente da Finlândia emergiu um dos projetos progressivos mais fascinantes dos anos 90, Höyry-Kone, espécie de síntese de tudo de bom que havia transcorrido pelo estilo, adentrando-se a uma vasta gama de modernidades.

Sua vida foi curta, somente dois espetaculares álbuns datados de 95 e 97 respectivamente, brotando entre personagens mais icônicos como Anglagard ou Anekdoten. Höyry-Kone mescla a elegância do progressivo setentista, duelos guitarrísticos Crimsonescos, música de câmera contemporânea, ritmos de world music, trash metal, folk oriental e algo do rock psicodélico de outrora, numa massa sonora intrincada e desafiadora.

Não é difícil em suas composições nos depararmos com riffs rasgados, melodias disformes em bases harmônicas muito originais que resgatam eficazmente a beleza passada, adornando-a com entalhes originais, em especial por seu uso particular da orquestração da música de câmara, destacando-se principalmente a personalidade sombria de cello e oboé, que transbordam de maneira vertiginosa por suas muralhas instrumentais, encaixando-se perfeitamente a temática de RIO.

Escutar os trabalhos de Höyry-Kone é um deleite para os ouvidos, em seu desenvolvimento convulso que aborda desde bases de heavy metal a coros de zeuhl de clima escurecido, contrastando às doses de humor que eventualmente surgem acidulando suas composições.

O grupo se destaca justamente, pela singularidade de suas obras que absorvem tendências até inovadoras, em suas construções repartidas, em constantes alternâncias de tempo e ritmo, por onde discorrem frases obliquas e, até certo ponto, muito agressivas, como não poderia faltar a um grupo nórdico, que não nega sua origem, como comprovam as radicalizações dos modos gregos que se fundem, liquefazem e flutuam de modo a criar fraseados delirantes, capturando a tensão exalada pelas potentes bases do baixo em slap (em um dos melhores usos que vi) e os vanguardismos do cello.

De fato, Höyry-Kone anteciparia em pelo menos alguns anos as tendências que se moldariam no “rock interessante” de hoje. Grupos contemporâneos como Gordian Knot e mesmo Cynic, devem muito as elaboradas texturas disponibilizadas pelo grupo finlandês, que ainda sim, com um pouco de atenção demonstra sua admiração pelo Crimson. Mas afinal, quem não gostaria de tocar como Robert Fripp?

Tais referências não chegam a incomodar, até por um senso humor nom-sense que resgata magistralmente Samla Mammas Manna e Frank Zappa, sobre uma atmosfera bucólica do leste europeu, tema recorrente de quem explora experimentos sonoros.

Fazendo uma rápida análise podemos passar por seu debuto, o fantástico Hyönteisiä Voi Rakastaa, um desafio a qualquer ouvinte. De fato, mesmo após consecutivas audições, ainda soa surpreendente e novo, demonstrando muito conteúdo a ser analisado. O trabalho é uma experiência violenta a qualquer um que não esteja inserido na esfera do chamado “avant-prog” (termo estranho, diga-se de passagem), trazendo instrumentação sólida calcada nas esquizofrenias guitarrísticas, baixo potente e as multifacetas da bateria, que eventualmente encontram os ornamentos de cello, violino, oboé e teclados incidentais que só engrandecem a natureza melódica da gravação.

O trabalho está cheio de momentos brilhantes, reunindo relações harmônicas interessantes, desmantelamentos rítmicos, contrapontos aguçados, carregando atmosferas sombrias, até melancólicas e introspectivas em momentos.

Entre os grandes destaques se pode citar “Hämärän Joutomaa”, “Myrskynmusiikkia” e “Kosta”, que se sobressaem devido à complexidade de suas construções e os fantásticos elementos empregados. A primeira inicia-se em camadas vitrais translúcidas que apontam imediatamente ao Crimson New Wave, em uma versão mais encorpada, incoerente que logo dá lugar a base harmônica quase banal por onde se projetam diversas nuances, e por fim tudo se desfaz de maneira abrupta, adentrando-se a momentos de peso e claustrofobia agonizante.

A segunda é um exagero de técnica, condecorando, em seu vocábulo, contrastes belicosos, que apenas engrandecem as sandices da seção rítmica. Enquanto “Kosta” nos traz a estruturação do rock de câmara, com algumas doses do Univérs Zero eletroacústico de “Ceux Du Dehors” ou “Uzed”.

Uma maravilha, obra completa que tange desde um pesado rock deturpado até as mais transcendentes passagens atmosféricas, no mínimo, 4,0/5,0.

Em 97, surgiria então “Huono Parturi”, um disco ainda mais pesado, com composições de maior integridade criativa, em passagens refinadas, de produção cuidadosa.

Esse possuí uma roupagem melhor nivelada, onde os ataques ainda soam estridentes e impactantes, ao passo que mais aprazíveis e conscientes, destacando com maior ênfase os vocais operísticos de Topi Lehtipuu, o que já se é perceptível nas sombras voláteis da faixa introdutória.

O fato é que “Huono Partiri” é uma obra-prima, que compreende alguns dos melhores momentos do avant-prog, em suas composições intrincadas que traduzem artifícios dos mais extremos. O grupo soa mais maduro, construindo ambientes caóticos verossímeis e ainda mais cativantes, que encantam pelo alto nível de insanidade que abraça o ouvinte.

Entre minhas favoritas destaco “Terva-Antti Ku Häihin Lähti”, de uma dinâmica impressionante, onde num mesmo momento diversas extravagâncias tomam parte, desde a base agressiva de baixo/bateria as vozes que se emolduram sobre temas pontilhados de guitarra, criando timbres secos e únicos que surpreendem o ouvinte pelo sentimento ao mesmo tempo épico e atormentado. A flauta ganha grande espaço por aqui, mas ainda prefiro o oboé do trabalho anterior.

As faixas seguintes perseguem a mesma lógica em estruturações rítmicas epiléticas que moldam o campo para espetaculares “interplays” entre a aridez das guitarras e a penumbra inspirada das outras cordas, aproveitando-se de dissonâncias muito bem trabalhadas

São encaixados interlúdios alegóricos com referências folclóricas ou à música de diversas partes do globo (algumas escalas árabes se destacam, vide “Kala”), como já apresentado no trabalho anterior (contendo até bossa nova!).

Outro grande destaque a ser citado é “Laahustaja” que une com maestria a música de câmara a uma poderosa e pesadíssima base no rock, em progressões coerentes que saltam como um abstrato e vívido arabesco das profundezas.

Obra visceral, um dos melhores trabalhos dos anos 90, que ficaria em minha concepção com 4,5/5,0, soma espetacular para qualquer coleção de “progressivo”.

Um grupo que precisa ser conhecido, superando inclusive alguns de seus companheiros mais evidenciados pelos círculos de prog, tendo contribuído de maneira fundamental a estética das bandas que surgiriam a seguir, podendo se sentir elementos de sua sonoridade em personagens que vão de Opeth, ao próprio Mr. Bungle. Superlativamente recomendado!

Análise de Discos: Disco Volante (1995)

2011-02-15T19:37:00.001-02:00

Mr. Bungle é um dos meus grupos favoritos e ainda sim, acredito que não consegui atribuir suficiente destaque a sua personalidade. O fato é que muita gente não está apta a ouvir e entender a sonoridade do grupo, pela demonstração livre de experimentos extremos e insanos, sendo de certo modo, também muito aprazíveis e divertidos. Mr. Bungle é uma banda que deve agradar – e muito – aos fãs de Frank Zappa, Captain Beefheart, The Residents (que em breve deve surgir pelo blog) e de outras sandices musicais.

Para quem desconhece, o grupo em questão surgiu dos delírios da mente de Mike Patton, mais conhecido por sua participação no Faith No More. De fato, o Faith No More, já é em si um projeto interessante, compreendendo um “pop” nada tradicional, com doses razoáveis de experimentalismo. Nada, se comparado aos três excepcionais discos lançados na década de 90, por Patton, Trevor Dunn (hoje com John Zorn), Trey Spruance e Clinton McKinnon.

Mr. Bungle é dono de uma sonoridade volátil, agressiva, que amalgama estilos de música variados numa massa amorfa de forma brutal, compreendendo das mais pesadas bases de death metal até traços diversos de World Music, tangendo ainda o jazz, ritmos latinos, blues, funk, ska, folk, pop dos anos 80... e por aí vamos. Mas não é só nesse aglomerado que se encontra a “diversão” do grupo, senão em suas letras cáusticas, as virtuosas performances instrumentais e a instabilidade de suas composições que, em certos momentos, soam até bastante aleatórias.

Dos três esforços, meu favorito é “Disco Volante”, uma notável epopéia musical que facilmente representa um dos melhores trabalhos daquela década.

Classificar tal disco é complicado, até por suas tendências extremamente experimentais e avant-garde, que incluem subversões em bases de música ambient, metal, jazz, techno e outros estilos incongruentes entre si.

De fato é uma gravação extremamente bem produzida, um marco na cultura mundial e na história do rock progressivo, claro se tomarmos o conceito de “progressivo” em seu sentido mais amplo e literal.

Disco Volante é um clássico para poucos paladares e talvez, justamente por essa faceta anti-comercial e completamente anárquica, retenha um charme impressionante que só realça a qualidade das intrincadas composições presentes por aqui, elevando a musicalidade avant-garde a níveis quase insuperáveis dentro da cultura popular.

1 – Everyone I Went To High School With Is Dead: Uma música extremamente pesada, sobre a base suja de death metal, que transcorre de maneira lenta, apontando ao stoner metal, sem esquecer-se do noise que se faz muito presente. O que mais impressiona por aqui são as constantes desconstruções rítmicas que atropelam o ouvinte em sua busca por qualquer forma de senso musical. A faixa progride de maneira agonizante, capturando quem ouve num ambiente claustrofóbico, de atmosfera improvisada saliente, através dos tropeços da bateria e todos os efeitos lacerantes que se projetam a partir do vácuo deixado pelos vocais flutuantes e brutais que só intensificam ainda mais a experiência. Não é fácil entender o que dizem as vozes conjuntas, mas a letra mostra o dia-a-dia abafado do eu lírico em seu ambiente escolar, finalizando com o cruel destino de seus companheiros ao encararem a vida real.

2 – Chemical Marriage: A música se inicia com os vocais espectrais de Patton que se estendem por uma curiosa base rítmica que aponta a salsa, em contraste a harmonia “circense” do teclado. A faixa modifica-se e adentramos um jazz atmosférico com aproveitamento de cromatismo no baixo, alternando sobressaltos interessantes que eventualmente retornam as bases musicais entre o jazz, salsa e algo de música ambient, que se faz presente em diversos momentos. Próximo aos 2 minutos, o órgão disponibiliza uma roupagem épica e delirante que ofusca tudo que havia ocorrido até o presente momento, antes de retornarmos a inconstância que formula a base da composição. No final a tensão é liberada, reunindo tudo que aconteceu ao longo da faixa.

3 – Carry Stress in the Jaw: Uma das melhores composições do Bungle! Carry Stress in the Jaw sintetiza tudo que o grupo tem de melhor, alternâncias bruscas e ininterruptas, que imprimem zonas caóticas de free jazz, nuances melódicas de fusion, retoques de folk ou até klezmer, colagens de musique concrète e vocalizações esdrúxulas que capturam desde grunhidos, chiados, sussurros, espirros a gritos guturais, frases operísticas, balbucios atmosféricos, entre tantas outras eventualidades. Nesse meio ainda são erguidos riffs lacerantes de trash metal com muito shred, entre aventuras rítmicas que desconstroem bases jazzísticas, relembrando os melhores momentos de Napalm Death, além de muito do punk-jazz. Aliás, é difícil saber onde a música se distancia do humor, seja por suas constantes referências musicais (Patton parece uma espécie de Tarantino da música), incluindo algo de King Crimson como o que é pregado próximo a 2:30. As seções se alternam entre o peso avassalador, sombras lunáticas e surrealistas e vários afluentes de jazz, uma intensa viagem.

A partir dos 4:45 se inicia uma nova faixa (a música secreta, na versão original), ou a segunda parte de uma suíte, como preferirem. Essa segunda metade ainda é mais absurda, com traços de surf-music, linhas melódicas cativantes que apontam ao rock tradicional dos anos 60, riffs de funk salientes e até certas referências as guitarras de Zappa. Os vocais surgem em cadência, assombrando a composição que em outro momento nos traz vocalizes grosseiras e estapafúrdias. É tudo muito divertido e impressionante, seja por certas progressões harmônicas pastosas, seja pelas incursões a passagens percussivas afrocubanas ou até o vômito ao final acompanhado de bongo, inexplicável. Ouça e perceba a liquefação de seu cérebro.

4 – Desert Search For Techno Allah: Uma das faixas mais divertidas do disco, com riffs sintéticos e repetições a lá punk “B” dos anos 80, passagens sombrias, escalas árabes (que intensificam e abstraem do tema da composição), motoriks de música eletrônica, ambientes escabrosos e oníricos, toques percussivos de world music e tudo que há de pior. Por aqui nos vemos numa busca completamente insólita pelo inimaginável, através da geografia local em todo um clima ambient-eletrônico que apontaria a Kraftwerk, Brian Eno e outras entidades que não poderiam faltar. A passagem final é épica e inenarrável, onde o deserto encontra a pompa sintetizada e todo seu noise.

5 – Violenza Domestica: Eu sinceramente não sei descrever essa faixa. Por aqui temos uma introdução sombria, que vai cair num tema trágico cantado em italiano, com passagens de piano e acordeão, refletindo a idéia do tango agrupado a sonoridade introspectiva do mediterrâneo, de certos ares românticos inesperados, com muito caos em seus sons randômicos que se projetam até o surgimento do tango propriamente dito. É o máximo!

Violenza Domestica retrata um experimento interessante interagindo frases incompreensíveis fora de contexto ao noise de diversos efeitos eletrônicos, de modo a fugir completamente do parâmetro de uma melodia tradicional. É possível se dizer que se comporta até como uma experimentação eletroacústica, mas do mesmo modo tudo pode muito bem ter sido incidental, de toda a maneira, o impacto adquirido é fantástico.

A guitarra dos últimos momentos contrasta com tudo que já foi feito, exaltando o peso das frases finais: “perche la tua lingua e' mia, mia, MIA!”.

6 – After School Special: Essa soa bem trivial em seu início, com passagens clichê de órgão que se desenrolam em momentos mais interessantes, de ares épicos, aludindo a frases de guitarra de progressivo, timbres escuros nas cordas e alguns elementos específicos que engrandecem sua natureza. A segunda parte é extremamente perturbadora e cruel.

7 – Sleep (Part III): Phlegmatics: Outro dos grandes momentos do CD. O inicio poderoso traz a destruição numa veia punk-metal, com grande destaque a bateria e guitarra. O cenário se modifica e o baixo enuncia acordes introspectivos em completo desacordo com a delirante e sombria frase de guitarra e os vocais com algo de... Frank Sinatra. A bateria torna tudo ainda mais incompreensível em sua base angular que desconstrói o senso musical. À frente surgem clarinetes empregando dissonância, sobre ruídos aterrorizantes e a percussão marcial, antes de mais berros estridentes que eclodem num cataclismo de noise. Insano e fantástico, algo de King Crimson por aqui, também.

8 - Ma Meeshka Mow Skowz: O inicio é bem sombrio, subvertendo o próprio clima circense emanado por algumas harmonias do Bungle. A percussão surge e com ela o tema de órgão que se estende em uma sequência de variações insanas, que aparentemente perseguem um mesmo intuito. Algumas síncopes jazzísticas, seções rítmicas metálicas e muito ruído acompanhando as inexplicáveis experimentações vocais de Patton, em um de seus momentos mais inspirados do disco. A faixa denota um clima meio funky, com atraentes esquizofrenias no sax. A parte final é a mais surpreendente, da primeira vez que ouvi quase caí da cadeira.

9 – The Bends: Essa é a faixa que define o disco e todo seu estilo experimental. Por aqui transcorrem 10 minutos de sandices sobre música ambiente, com algumas camadas instrumentais atiradas por cima, incluindo temas distorcidos de guitarra, alegorias de teclado, gemidos vocais que vão adulterando aos poucos os cenários concebidos. Ocorrem ainda algumas sincopes, com passagens jazzísticas e o tradicional “walking bass”, além de mais experimentos eletrônicos, certa aproximação a psicodelia de Pink Floyd em Meddle e um clima subaquático que me lembraria a “terror noise music” de Jean-François Pauvros (sim, é um guitarrista minimamente conhecido, mas ainda sim...). É caótico, aleatório, denso e sufocante, em seções espectrais que assombram a mente do ouvinte por longos momentos.

Um estandarte de música ambient que enunciaria um pouco do trabalho de Patton a ser realizado no Fantomas, muito conteúdo para abstração.

10 – BackStrokin: A melodia é cativante, com boas levadas de baixo acompanhadas dos ambientes propiciados pela voz e teclado que mantém algumas sequelas de “The Bends”, referindo-se ainda a vários estilos musicais, incluindo surf-music e um doo-woop obscuro, antes do retorno abrupto a ambient music.

11 - Platypus: Uma das composições mais complexas do disco. O começo retorna a um pesado e distorcido riff de guitarra que nos traz ao metal. Mas logo a estrutura se altera, montando intrincadas alternâncias rítmicas com algumas inserções melódicas incidentais. O baixo desenvolve então um tema bluesistico, que sofre diversas mutações conforme novos elementos são aderidos a sonoridade, com espetacular destaque ao uso dos sopros, quase sempre ásperos e agressivos, contrastando com a performance vocal condensada que por sua vez destoa da base semi-jazzística em momentos. Muita instabilidade com nuances de jazz e bossa nova que logo evoluem em estruturas rítmicas a lá Gentle Giant. O final é cheio de referências culturais, colagens acidentais caóticas e muita acidez que culmina no mesmo riff distorcido inicial.

12 – Merry Go Bye Bye: Abre-se com um pop ordinário setentista, daqueles que Zappa adorava subverter. E logo mais, é isso mesmo o que faz o Bungle. Caímos então num vórtex de grindcore, death metal, com diversas inserções caóticas de música eletrônica, constituindo um avant-death-techno-metal”. A atmosfera de tensão é mantida, mas o cenário se dissolve gradulamente, gerando novos tipos de cenários, em improvisadas bases rítmicas, aliados a pausas que evocam cataclismos sonoros e muitos efeitos randômicos. Um caos total, pelo prazer de experimentar. O death metal retorna com suas esquisitices sintéticas até esvair-se numa atmosfera calma e prazerosa disponibilizada pelos vocais apaixonantes de Patton. Em “Merry Go Bye Bye” há outra “faixa” secreta, dessa vez uma série de experimentos sem pretexto, é barulho, mas não deixa de ser divertido.

O mais interessante de “Disco Volante” é que a gravação não propõe absolutamente nada! Deparamos-nos com mais de uma hora de experimentos completamente insanos, sem nenhum pretexto para existência. Obviamente é possível se extasiar com a maestria de certas construções, afinal ainda existem melodias caprichosas que podem encantar o ouvinte, mas a graça real está na sensação de surpresa ocasionada por cada faixa. Em seus momentos descabidos, aleatórios que trazem desde as mais complexas estruturas rítmicas, até a falta de sentido musical, onde elementos completamente opostos confluem sem nenhuma razão aparente.

A maestria de Disco Volante está no conjunto, o virtuosismo solo torna-se desimportante (consigo me lembrar somente de uma parte solada de baixo, que soa mais como uma piada com o “jazz de elevador”), enaltecendo-se então o efeito catastrófico gerado pelo conjunto.

Uma maravilha experimental que ainda muito demorará a ser digerida completamente, de longe o disco mais árido para o ouvinte que se vê desafiado a todo o momento, partindo por zonas conflitantes completamente inesperadas. Tudo isso ainda é engrandecido pelo senso cômico, nom-sense das letras, dos vocais e da própria forma de sua música.

Por fim, “Disco Volante” é arte, expressando o simples prazer de transcender toda e qualquer estrutura musical conhecida sem um objetivo superior, ou intenções megalomaníacas.

Extremamente recomendado para qualquer um que se atreva a navegar pelos mares mais extremos da música popular, podendo proporcionar uma experiência única sem comparativos.
No mais 5,0/5,0, obra-prima da música popular.

Aranis - RoqueForte (2010)

2011-02-12T13:44:00.000-02:00

Após algumas pesquisas me deparei com o projeto belga “Aranis” que segue as tendências do “chamber rock”, derivado de algo do Rock In Opposition.

A referência óbvia seria o Univérs Zero, que compartilha estilística e nacionalidade. De fato, alguns elementos de sua sonoridade podem ser encontrados por aqui, principalmente no que diz respeito à forma e instrumentação, no entanto, Aranis reproduz uma musicalidade mais fluída que se baseia na avolumada abrangência harmônica, gerando desse modo, telas vívidas de certos ares românticos que afastam as pesadas atmosferas propostas pelos melhores momentos de seus conterrâneos.

Segundo constatei, até o presente momento já foram disponibilizados cinco discos de estúdio. Desconheço seus trabalhos anteriores, mas tenho passado um bom tempo ouvindo seu último esforço em “RoqueForte”, do ano passado.

O clima do disco é predominantemente acústico, com algum uso de guitarras incidentais que pouco agrega as composições.

O foco criativo recaí sobre o baixista Joris Vanvinckenroy, que produz algumas dinâmicas interessantes, principalmente relacionadas a compassos como 5/4 e 5/8, refletindo a estruturação atípica que aponta diretamente as construções do folk do leste europeu.

Justamente, essas nuances da música folk surgem muito salientes em suas composições, seja em suas estruturas rítmicas, seja no uso de escalas e harmonias que progridem sobre a lógica típica da região oriental da Europa, relembrando ainda um toque do klezmer que apontaria ao rock de câmara do próprio John Zorn.

Sobre essa base folk é projetada a roupagem de música de câmara, que recebe influências de diversos nomes, ressaltando Dvorak, na associação óbvia da premissa de unir a simplicidade folclórica à complexidade da música erudita; Ravel, em certos momentos de congruência melódica que surgem de suas obras mais famosas e Stravinsky pela maneira afiada como são apresentados os contrastes, sem falar dos outros “russos românticos” que surgem em momentos de maior sutileza e inspiração.

A premissa é bem interessante por si e a execução não decepciona. Podemos nos deparar a cenários complexos, com diversas vozes sobrepostas em bases angulares que evidenciam a qualidade do grupo ao todo, sem apontar a grandes destaques individuais.

O duelo entre as vozes principais, que normalmente se intercalam entre flauta, violino e viola recriam momentos adocicados e introspectivos partindo de encontro a passagens agressivas, em ataques contundentes auxiliados pela percussão sensorial e linhas de baixo pontilhadas que guiam o grupo nos moldes de uma orquestra sobre a base harmônica dividida entre piano e o próprio acordeão que ainda reproduz seus momentos melódicos.

As faixas são muito bem compostas, aderindo texturas graciosas e voláteis que modificam seu aspecto em poucos segundos, desenvolvendo temas diversos no mesmo espaço, de modo a interagir de maneira ágil, capturando o ouvinte numa arquitetura movimentada e intrigante, seja por seu clima elegante, ou pelas nuances de mistério exaladas pelo toque oriental (em momentos, há até certa aproximação ao flamenco).

Em contrapartida, Aranis, ainda molda certas passagens de instinto bélico, em harmonias pontiagudas que dão espaço para construções mais pesadas e cataclísmicas como na catarse total de “Tissim”, num dos melhores momentos percussivos da gravação, por onde flutuam melodias imponentes, com óbvio destaque ao acordeão.

Em “RoqueForte” ainda é possível se sentir certo flerte com a música ambient, de maneira condizente a realidade do disco, como se é notado nas passagens de “Ade” em seus vários momentos, de apelo mais denso, atmosférico, sem a mesma complexidade musical de outras faixas.

O grande problema está na extensão do CD que, após quase uma hora proveniente do mesmo foco de inspiração, começa a soar cansativo, ofuscando o brilho de algumas excelentes composições como as mais longas “Noise” e “Naise” que apenas se aproveitam de conceitos previamente explorados.

Sendo assim, o clima intrigante e desafiador se esvai e após a audição completa da gravação, o ouvinte mais atento já será capaz de digerir a sonoridade sem grande desconforto.

Numa gravação de prolongada extensão, esperaria um apelo criativo maior, em experimentos mais expansivos, além de mais possibilidades a serem exploradas, pois as presentes já soam muito bem traduzidas. “RoqueForte” me deixou a sensação de que Aranis é uma banda que precisa evoluir musicalmente, arriscando-se a romper, com maior intensidade, sua própria zona de conforto para criar algo mais único e marcante do que o trabalho apresentado.

Ainda sim, é um álbum muito agradável de ouvir, principalmente àqueles interessados nesse tipo de música através de uma resposta mais acessível, sendo indicada, desse modo, a todos que buscam uma porta de entrada a “assustadora” (pelo menos a primeira vista) forma do chamado “rock de câmara”.

Aranis é sim interessante, podendo cativar o ouvinte por horas a fio, principalmente pela beleza artística transparecida em suas composições, mas ainda soa de certo modo “juvenil”- e realmente é, afinal o grupo deve ter pouco mais de cinco anos - para todos aqueles que já passaram por bandas como Univérs Zero, Present e até Thinking Plague.

Apropriando-me do sistema de avaliações do “Progarchives”, como pretendo fazer também nos posts que virão, “RoqueForte” ficaria com 3,0/5,0, bom, mas ainda muito distante do essencial.

Esperemos, então, pelo desenvolvimento e amadurecimento dessa promissora banda belga em gravações futuras.

Born of Osiris

2011-02-10T15:13:00.001-02:00

Advertência: Esse artigo falará sobre uma banda de death metal, a exposição prolongada a esse tipo de sonoridade poderá causar reações adversas que vão de vômito a falência completa cerebral, leia conhecendo os riscos.

Ultimamente venho ouvindo sonoridades que ultrapassam minha zona de conforto musical. Entre algumas das tendências interessantes que vim a descobrir, encontrei esse virtuoso amalgama entre as vertentes mais extremas do metal contemporâneo e tendências de rock progressivo, ou mesmo de jazz fusion.

O expoente mais notável desse “blend” é provavelmente o grupo sueco “Opeth”, que adquiriu um grande séquito de fãs mesmo entre os círculos de rock progressivo.

Ainda conheço pouco da banda, mas admito que sua sonoridade me despertou pouco interesse. Mas a partir daí ouvi alguns outros grupos como o Cynic, o próprio Gordian Knot do último post, Maudlin of the Well e até Protest the Hero, de sonoridade mais acessível.

Gostei muito de algumas de minhas audições, em especial as referentes à “Maudlin of the Well”, cuja obra de 2009, “Part the Second”, já pode ser considerada um dos clássicos da década que recém terminou (leia mais sobre o CD por aqui).

Entre essas pesquisas me deparei com o pesadíssimo “Born of Osiris”. O grupo tem formação recente, tendo lançado somente 2 EPs e um disco de longa duração (outro está previsto para março desse ano).

A premissa de sua sonoridade vem de mesclar a forma do death metal em seus momentos mais pesados e densos, a leves retoques de progressivo. O resultado: metal interessante, que vale o esforço de ouvir.

Não sou o maior indicado para se falar de metal, então tentarei sintetizar aquilo que observei. A sonoridade promove uma liberação extrema de emoções através de arquiteturas musicais absurdamente técnicas que incluem instrumentação impecável e espetacular uso de recursos heterodoxos a fim de se criar algo novo e inesperado.

Entre os pontos de qualidade saliente, posso ressaltar a complexa estruturação rítmica, que pulveriza a mente de quem ouve através de trocas constantes entre compassos completamente incongruentes entre si. Incluindo ainda pausas abruptas, cortes lacerantes que só reforçam o sentimento de inconstância provocado pela bateria que se desdobra em marcações atraentes que fogem a todo momento do lugar comum provocado pelo popular 4/4. Realmente difícil notar um uso tão inteligente dessa estruturação rítmica que usualmente caí na banalização ou nos excessos.

Rítmica avassaladora se agrupa então a qualidade melódica. O trabalho das guitarras reúne influências do estilo épico do Power metal, unindo-se ao virtuosismo do metal progressivo e a eventual correria do shred, para criar investidas causticas, distorções esparramadas e solos rasantes que envolvem uso elaborado dos modos gregos, muitas vezes fundindo-os para gerar harmonias únicas em constante movimento, elevando a idéia de complexidade a outros níveis.

O trabalho dos baixos não é dos mais geniais, mas cumpre bem sua função, mantendo um piso pesado para as composições sem divagações pirotécnicas excessivas.

Para dar um acabamento de classe, a banda conta com um uso incidental dos teclados que surge em momentos cruciais, entoando desde atmosferas sombrias e claustrofóbicas até passagens pomposas com nuances sinfônicas, quebrando muitas vezes o peso propagado pelo tipo de musicalidade, trazendo camadas instrumentais fascinantes que enriquecem a natureza sonora.

O ponto fraco, realmente, está no uso da voz. Pessoalmente, não tenho nada contra vocalizações guturais, desde que bem empregadas. A meu ver seu uso exagerado limita – e muito – as possibilidades vocais de qualquer músico, tornando-se repetitivas e perdendo sua força e impacto gradativamente. De todo modo é um item que pode ser superado, quando o ouvinte se conectar as metamorfoses instrumentais que se erguem impiedosas ao fundo.

A sonoridade é brutal, agressiva e impactante, mas no bom sentido, atirando sua sanguinolência inescrupulosa sobre o ouvinte através de frequentes contrastes (timbricos, harmônicos e rítmicos) que dificilmente habitam a sonoridade de bandas típicas do gênero.

Indico, a quem se interessar pelas aventuras sonoras de Born of Osiris, o EP “The New Reign” que contém as melhores faixas trazidas pelo grupo até agora, com destaque a “Abstract Art” e “Brace Legs”.

Recomendado aos fãs de experiências extremas e a aqueles que se encontram cansados das mesmas fórmulas desgastadas que ainda constituem o metal “padrão”.

Gordian Knot

2011-02-07T20:34:00.001-02:00

Seguindo a recomendação de meu caro amigo Lucas Rodrigues, importante colaborador e amigo do blog, passei o fim de semana ouvindo o side-project de Sean Malone, baixista da banda de metal "interessante", "Cynic".

Para esse projeto, o fantástico instrumentista contaria com a participação de músicos renomados, incluindo nomes como Bill Bruford, Steve Hackett, Trey Gunn e John Myung (baixista do Dream Theater), só para citar os mais famosos.

O que esperar então desse trabalho?

Serei sincero: o primeiro CD, homônimo, soa muito mais sólido quando comparado ao lançamento seguinte e ainda sim, não foi algo que muito me prendeu a atenção. A banda é legal, grandes instrumentistas que produzem um trabalho afiado, mas tive um sentimento único: as influências são muito visíveis, portanto soa como "mais do mesmo".

Partindo para a ordem inversa, falarei inicialmente do último trabalho surgido do projeto, "Emergent" de 2003. A premissa é interessante, elaborar um jazz-fusion direcionado ao heavy metal, mais ou menos na linha do que faz o Cynic. Na prática a história é outra: o fusion que agregam me soa muito clichê, as progressões harmônicas por ali montadas me apontam as mesmas utilizadas exaustivamente por bandas mais antigas, enquanto as bases de metal tem alguns momentos interessantes, desconstruções ritmicas bem feitas, mas nada muito surpreendente. As guitarras são descaradas: se por um lado temos o contraste tangível de Belew/Fripp, por outro emerge muito de David Gilmour e até Gong, nas passagens mais voltadas ao space rock, que dão sua cara em momentos-chave. O trabalho de baixo é fantástico (apesar da proximidade com Jeff Berlim...). Em suma, um amálgama razoável de boas influências que vão de Béla Fleck até King Crimson.

Agora sobre o debuto de 99, "Gordian Knot". Esse parece ter muito mais substância, principalmente pelos retoques de world music na percussão, construindo um setor ritmico realmente impressionante.
O timbre retirado dos instrumentos também é muito interessante, moldando melodias de ares modernos que pouco apontam a bandas "progressivas" mais antigas, apesar de alguns relances que, ainda sim, não soam exagerados ou desrespeitosos. Há certas aproximações ao som do Mogwai (ou a algo que desenvolveria o post-rock), sendo possível também se identificar maior influência de música clássica. As harmonias apontam diretamente a Bach (assim como as estruturas de contraponto, com reminiscências ainda de Gentle Giant, vide "Redemptions´Way", por exemplo), que foi inclusive re-lido na assustadora faixa 7. Eu não sei se sou purista, mas tenho um problema com essas releituras deveras extremas... a gravação do Stick Men (de Tony Levin) da "Firebird Suite" já me soou "ofensiva", e essa versão de "Komm süsser Tod, komm sel'ge" também não agradou. A música clássica está em domínio público, então estou pra incentivar seu uso, mas por favor não matem sua essência!
As frases que ilustram maior peso soam mais honestas e realistas se comparadas ao segundo lançamento, contrastando muito bem com as diversas camadas que constituem a sonoridade. Os toques do folk oriental (inclusive nas já nem tão incomuns, mas ainda divertidas estruturas ritmícas) trazem algumas escalas que fogem ao lugar comum dos eventuais modos de heavy metal (com toda aquela história de shred). O trabalho de baixo é ainda mais avassalador, até pelo controle maior dos impulsos de fusion, construindo espetaculares pisos pra sonoridade que mantém a tensão promovida por certas disputas das guitarras, sendo capaz ainda de soar à maneira fluído, sem aqueles estalos incongruentes eventuais dos baixos "metálicos".
Outro detalhe é o uso do Stick que mais uma vez é sensacional, em alguns momentos eu não consigo dicernir quem faz o quê, realçando o grau de complexidade das entrelaçadas melodias que partem desde o estado de animação suspensa, em atmosferas sutis até o caos sonoro promovido pelas passagens mais furiosas. O conteúdo instrumental é fascinante, excelente uso de todas as cordas (que transbordam pelo disco), modelando certos momentos levíssimos de flutuar espectral, que apontam a sonoridade mais onirica de Canterbury.
A base, em fim, é claramente o metal progressivo, incluindo construções similares ao Dream Theater, com adição de nuances interessantes que resgatam tudo que citei. De modo geral, é bem legal, mas sinto a carência de mais experimentos, mais inovações, algo ainda mais extremo.

Considero "Emergent" um disco fraco que não merece muita atenção, enquanto o primeiro pode empolgar pela excelente fonte de inspiração e as perspicazes construções instrumentais. Recomendado principalmente para os fãs de Sean Malone, ou mesmo do King Crimson que parece encontrar mais uma de suas "falanges perdidas".

Morre Gary Moore

2011-02-06T21:22:00.000-02:00

Com pesar que o blog informa a morte do grande guitarrista (que recentemente integrou a lista por aqui postada dos "40 Melhores Guitarristas da História) Gary Moore.

Moore foi encontrado morto nessa manhã em seu quarto de hotel na Espanha. As causas da morte ainda não foram divulgadas.

O músico, que nos deixou prematuramente (se considerarmos o atual índice de longevidade da população mundial) aos 58 anos, moldou uma sólida carreira trafegando por diversos genêros, ressaltando seus trabalhos mais direcionados ao blues. Lançou vinte trabalhos de estúdio, além das contribuições com a lendária banda irlandesa Thin Lizzy e com seu líder, Phil Lynott.

Só posso conceder minhas condolências a boa música que perdeu um de seus maiores instrumentistas.

Para ler um pouquinho mais sobre Moore, basta clicar aqui.

Análise de Discos: Lark´s Tongues In Aspic (1973)

2011-02-03T16:57:00.003-02:00

“Se você só pudesse levar cinco discos para uma ilha deserta, quais seriam?” Em minha visão, “Lark´s Tongues in Aspic” seria um deles.

Esse é um dos álbuns mais impressionantes do século XX e também um dos mais importantes. Mas, antes que nos adentremos a sua sonoridade extremamente complexa e magnífica, é preciso considerar uma série de fatores importantes para o desenvolvimento do trabalho.

Após o grande clássico progressivo de “Islands”, Robert Fripp parecia insatisfeito, tendo tido uma relação conturbada com o letrista Peter Sinfield. Para a gravação do próximo disco um novo line-up seria convocado: o baixista John Wetton da banda progressiva “Family”, o violinista David Cross, o baterista Bill Bruford recém saídos das sessões de “Close to the Edge” e por fim o percussionista experimental Jamie Muir.

Nesse novo trabalho, a banda rompe completamente a estética padrão do rock progressivo mainstream propagado pelo próprio Crimson no final dos anos 60. Até então, a banda demonstrava certas doses de experimentalismo em suas composições, incluindo flertes ao free jazz, mas nada se compara ao que surgiria a seguir.

Em “Lark´s Tongue In Aspic”, Robert Fripp guia um ambicioso projeto que une diversos elementos da música de vanguarda que vão do jazz fusion, a música de câmara de compositores como Bela Bártok, apropriando-se do uso do noise para a fabricação de suas melodias, relembrando algo dos experimentos eletroacústicos de compositores como Ligeti (vide Artikulation).

Para gerar essa massa vanguardista, seria preciso se tomar algumas providências. Bill Bruford tinha em sua base toda a forma grandiosa do prog sinfônico do Yes, além da técnica perfeita pela qual se tornou conhecido. Eis que surge na cena Jamie Muir que veio mostrar a Bruford como experimentar com parâmetros jamais vistos, atirando o virtuosismo pela janela. O próprio Bill afirma que Muir influenciou muito seu estilo de tocar e sua visão de música, sendo consequentemente o elemento chave do álbum.

Desse caldo borbulhante de idéias surge “Lark´s Tongues In Aspic” que ainda contaria com o letrista Richard Palmer-James, sobre quem falarei mais ao longo da resenha.

Por fim, uma pequena curiosidade: o título do disco é uma referência culinária proferida por Jamie Muir. “Lark´s Tongues” é um prato refinado, normalmente consumido pelas camadas mais altas da sociedade inglesa, enquanto “Aspic” é uma espécie de geléia salgada muito popular no país. Muir provavelmente quis expor os contrastes do disco: entre o simplório e o majestoso ou entre a delicadeza e a densidade.
Aspecto esse, comprovado pela própria arte da capa, onde os mais antagônicos elementos de nossa cultura surgem entrelaçados.

1- Lark´s Tongues in Aspic, part 1: Um dos melhores momentos do disco e de toda a carreira da banda! Inicia-se com o tamborilar sinuoso da marimba, em seu tema minimalista (é inevitável, até a escolha do instrumento aponta a Steve Reich), por onde surgem os sutis toques da percussão que aos poucos vão preenchendo o ambiente, de uma natureza modesta, de certos ares descontraídos, progredindo vagarosamente até engolir por completo o fraseado da marimba.

A partir daí a faixa toma outros rumos, o agonizante tema de violino é moldado, em seu uso escuro que abre espaço para a revoada da guitarra de Fripp que flutua incongruente, ao lado da percussão cada vez mais desenfreada, antes da explosão do tema que se desenvolve através de linhas de baixo possantes e distorcidos e gritos histéricos de guitarra, relembrando todo um ambiente de frenesi e tumulto.

Mais a frente um dueto atarefado entre guitarra e baixo, em suas frases esquizofrênicas divergentes, ladeados por tropeços percussivos de uma seção rítmica propositalmente desorganizada. O violino eletrificado faz sua entrada e logo o tema entra em metamorfose, enquanto o baixo surge como voz principal, através de seus efeitos musculosos que roubam a atenção do restante da faixa.

A confusão se dissipa, enquanto o violino se ergue imponente em suas frases melancólicas, acompanhada por tímidos tilintares percussivos acidentais, que logo apontariam a meditação oriental, de modo sutil, emanando certa nostalgia.

O tema agressivo retorna com certas variações, antes que a faixa se estabeleça nos contrastes etéreos do violino e mellotron, ladeados por delicados arpejos de guitarra que encaminham a composição a seu final, novamente em sensoriais pigmentos da percussão.

Uma jornada épica através de 13:35 de música da mais alta qualidade, relembrando temas pesados da música de câmara, principalmente nos timbres escuros escolhidos.

Conteúdo para abstração é o que não falta, mas acho que essa é uma faixa sobre contrastes, sobre momentos temporais e suas alternâncias. Dentro desse contexto, relacionamos nossa cultura que pode atribuir a composição proporções gigantescas, afinal de certo modo em “Lark´s Tongues In Aspic” sinto a “evolução” do modo de vida humano, desde o ar mais compacto e despreocupado do campo, até o peso, os tumultos e as extravagâncias do ambiente urbano pós-moderno, passando pelos grandes cataclismos que separam esses dois cenários.

Viagem? Talvez, criem suas impressões.

2 – Book of Saturday: Uma faixa muito bela, incluindo o tema inebriante da guitarra em seus celestiais harmônicos, ladeados pelo impressionante vocal de John Wetton que eventualmente abre espaços para contrapontos entre os instrumentos solo. “Book of Saturday” retoma uma aproximação ao rock progressivo tradicional, apesar dos experimentos na escolha de timbres e o charme cativante da progressão harmônica mágica de Robert Fripp.

Em minha visão, letra fala sobre a face mais crua dos relacionamentos, apontando a fraqueza do homem que acaba construindo uma série de mentiras que sustentam sua necessidade de contato.

3 – Exiles: Mais doses de experimentalismo, agora num momento atmosférico, meditativo, através de mantras instrumentais grandiosos que se formam através de efeitos eletrônicos e orgânicos que provavelmente influenciariam a estrutura do pós-rock de bandas como “GY!BE”. Os pilares de música ambient logo são substituídos pelo clima pastoral, emanado pelas frases limpas de guitarra e a melancolia do violino.

A imponência orquestrada retorna, alternando os dois momentos (mais contrastes), relembrando sempre o espetacular tema sinfônico. À frente, flautas passeiam sinuosas conforme a faixa progride, nos contando sobre as conclusões de um eu lírico que aparentemente resolveu se afastar da sociedade. Próximo ao final um solo intimista de guitarra.

4 – Easy Money: Inicialmente, um tema mais distorcido, sobre uma constante base rítmica, em intenso trabalho de baixo, margeado pela percussão aquosa e o timbre sujo da guitarra. Nessa faixa se pode perceber o uso intercalado de instrumentos reais e sons eletrônicos criados que confluem para gerar as melodias. Aqui se percebe algumas passagens pesadas, certas desconstruções rítmicas, retoques de jazz-fusion, sandices percussivas (cortesia de Jamie Muir) e entalhes de musique concrete. A progressão é bem legal e existem diversos elementos sonoros a serem observados, através de uma roupagem bem sarcástica (o tema fala de uma prostituta, ou algo equivalente).

5 – The Talking Drum: Outro dos melhores momentos do disco, até por seu teor experimental. Alguns efeitos abrem espaço para a percussão tangente a World Music, por onde as vozes se projetam, configurando elaborados contrapontos que geram diferentes impressões no ouvinte. Entre os ecos de mellotron e a linha melódica do violino, se instala o baixo em suas eventuais variações que desconstroem a rítmica da composição. A faixa vai crescendo aderindo novos timbres, sobre a mesma base, tornando-se cada vez mais pesada e claustrofóbica. O modo como o movimento evolui aponta a temática explorada por Ravel, que já havia dado as caras em composições anteriores do grupo. Em seu ápice, a aridez da guitarra, as sombras do violino, os efeitos eletrônicos, as colagens de musique concrete e a sessão rítmica confluem de modo a criar uma massa extremamente densa que explode num ruído lacerante e uniforme que nos guia a faixa seguinte.

6 – Lark´s Tongues In Aspic, part 2: Agora emerge a pesadíssima frase de guitarra que enunciaria os álbuns futuros do Crimson. Nesses primeiros momentos muito groove e vigor, emanado da gravação extremamente potente dos timbres que se mesclam de modo a se aproximarem do heavy metal (influenciando muito o metal progressivo, como sabemos). A percussão é histérica atacando impiedosamente a mente do ouvinte, ao lado dos trovejantes temas de guitarra. As passagens ainda se intercalam a frases esquizóides de violino, acompanhadas de muito caos sonoro, incluindo cáusticos momentos solados com requintes de um free jazz sádico, culminando num “terror noise metal”, indizível, inexplicável.

Após a devastadora bordoada de peso e imponência, se ergue uma explosão sonora em desordem consistindo ao clímax do disco. Os efeitos etéreos que restaram conduzem a gravação a seu final.

Não consigo afirmar com certeza que esse é o melhor disco da banda (afinal o Crimson ainda nos disponibilizou uma série de grandes trabalhos), mas está, sem dúvida nenhuma, entre um dos maiores. Em “Lark´s Tongues In Aspic” o grupo mostra uma sonoridade madura que atinge muito bem seu objetivo, experimentando desenfreadamente, sem medo de errar.

Os instrumentistas estão afiados e não há um só destaque no disco: John Wetton esmerilha seu baixo em temas bombástico e frases angulares, repleta de efeitos de bom gosto; Robert Fripp é Robert Fripp, distorções bem medidas, temas corrosivos, revoadas experimentais, frases abissais e certa dose de introspecção e beleza em momentos chave; Bill Bruford é impecável como sempre, possibilitando estruturas rítmicas estonteantes (aliás, o trabalho percussivo do disco está entre seus elementos mais fantásticos); David Cross, com seu estilo de tocar contemporâneo e diabólico, adere camadas instrumentais eficazes que enriquecem muito o conteúdo melódico do disco; enquanto Jamie Muir mostra-se a “cereja do bolo”, contribuindo para as construções (e aniquilações) rítmicas e com a maior parte das doses de experimentalismo.

Nesse álbum, o grupo passa por uma série de sonoridades confrontando em diversos momentos seus próprios limites, numa gravação que reúne heavy metal, jazz fusion, música erudita, rock progressivo, algo de world music e até o sentimento simplista da música folk.

Um grande clássico de muito impacto na cultura popular, tendo possivelmente influenciado gêneros importantes como o metal progressivo (e seus afluentes mais extremos), pós-rock, o movimento de RIO e mais uma série de tendências vanguardistas.

Em “Lark´s Tongues In Aspic”, o King Crimson ainda demonstra uma postura inovadora, comportando-se como uma real “orquestra de rock”, disponibilizando pelo menos cinco clássicos absolutos (Book of Saturday é uma grande faixa, mas no geral está mais próxima ao progressivo tradicional que pouco agrega a gravação, apesar de sua estrutura interessante, em excelentes contrapontos).

Um dos discos obrigatórios numa discografia de respeito, marco na cultura popular mundial.

Amplifier - The Octopus (2010)

2011-02-02T16:20:00.001-02:00

Para contrastar um pouco a todo o clima erudito imposto por certas bandas de pós-rock, que pretendo ainda explorar mais por aqui, trago-lhes hoje “Amplifier”, grupo de rock inclassificável da Inglaterra, que vem inovar as tendências musicais de seu país.

Desconheço gravações anteriores do moderno power trio de Manchester, que por proximidade, costuma ter sua sonoridade comparada com ao Oceansize. Não considero tal referência válida, pois apesar da aproximação ao space rock de ambos os grupos, Oceansize sempre me soou como uma “subdivisão” bem articulada do Radiohead.

No caso do Amplifier, as influências não são tão evidentes, gerando uma massa homogênea de pirar, como transparece pelos poros elásticos de seu recente e ambicioso projeto “The Octopus”, disco duplo de um hard rock vigoroso, alternando-se a passagens oníricas, em doses de surrealismo bem administrado, que tange do sonho multicolorido mais abstrato até os piores pesadelos em suas glaciações tenebrosas.

Como os próprios integrantes afirmam, “Amplifier é um grupo de rock interessante”, com óbvios elementos progressivos, até pela singularidade imposta em suas gravações, que apenas de longe conectariam-se ao som mais pesado e viajante do Porcupine Tree (por quem nunca morri de amores).

Em “The Octopus”, vemos muitas guitarras sobrepostas que aplacam um aspecto grandioso, principalmente pelo uso de extremo bom gosto do instrumento, destacando a escolha de efeitos que sobram pelas composições, pairando pela mente do ouvinte. Daí poderíamos retirar o clima intimista e simplório da guitarra Pink Floydiana, riffs musculosos que emergem de um volumoso stoner metal, apropriando-se de algo do Black Sabbath, em presenças menos densas, mas ainda mais sombrias.

E as alusões param por aí, Amplifier consegue produzir um disco singular, cheio de pluralidades que determinam o caráter único e autoral de suas composições, demonstrando prolongadas Jam sessions, temas meditativos na guitarra, linhas de baixo condensadas, algumas extravagâncias rítmicas em momento chave, nuances de um progressivo vintage sem apelar a nostalgia extrema, magníficos “crescendo” instrumentais, arranjos distorcidos e sujos que resgatam o turbulento cenário pós-punk e mais uma série de características que enriquecem uma musicalidade madura e bem construída.

Ao contrário da maioria dos discos duplos, “The Octopus” não caí na megalomania de bandas maiores, sem apelar a grandes excessos, atingindo poucas inconsistências musicais que eventualmente ocorrem.

Os principais problemas surgem em alguns momentos incidentais, quando a base ou o tema tornam-se deveras enjoado, aspecto esse intensificado por certas marcações marginais do baixo, cujo uso é um tanto instável: se por um lado seu legato é primoroso, moldando belos contrastes à guitarra, por outro algumas de suas linhas soam repetitivas e insossas. Os flertes mais descarados ao neo-prog também não me agradam, como ocorre numa das faixas mais enaltecida pelos fãs “Minion´s Song”, mas de modo geral, o que temos é uma gravação interessante que prende o ouvinte por duas horas de ecos fantasmagóricos, temas incongruentes, contrapontos angulosos, através de uma intensa viagem instrumental.

Admito que ainda não prestei atenção na lírica do disco, mas me justifico: há muito do instrumental para se analisar.

Os vocais são coesos, flutuando sobre as intensas e imaginativas linhas instrumentais, de modo a formar uma terceira voz que consegue seu brilho, mostrando um trabalho refinado de produção.

No mais, “The Octopus” é um discaço que muito pode agradar ouvintes de variados estilos, até pela mixagem de gêneros proposta em sua sonoridade, que tange aos espectros suspensos de um rock psicodélico moderno até linhas bem pesadas de um metal responsável e bem construído. Sonoridade acessível, com certas sandices instrumentais de menor que tem tudo para se desenvolver (afinal, esse é apenas o terceiro trabalho dessa promissora banda).

Um dos lançamentos de destaque no último ano, que acabei deixando passar. Fortes recomendações, estando inclusive no meu cyber-carrinho da “Amazon.com”. No geral álbum cheio de prós, muito cativante, apesar das pequenas falhas que pouco afetam a audição, salientando principalmente o primeiro CD, que se mostra mais consistente que a segunda parte, um ótimo exemplo pra ilustrar os rumos que o “bom” rock tem tomado.

Machista Presidente

2011-01-30T18:41:00.003-02:00

Minha primeira aquisição do ano: “Machista Presidente” de Leo Hofnug, meu amigo músico. De fato, faço esse post, não como um favor, mas como um meio de divulgar uma gravação interessante que permaneceria perdida no meio underground.

Machista Presidente é um trabalho difícil de rotular, podendo se observar diversos elementos eruditos, algo de pós-rock ou rock psicodélico, mas é de modo geral um disco de música ambient, como o próprio autor deixa transparecer.

O que obtemos são composições intrincadas que amplificam atmosferas diversas que vão desde a melancolia sinuosa de certos momentos, até a tensão agonizante propagada em outros. Aliás, conteúdo para abstração é o que não falta, à medida que os cenários se modificam é possível criar-se impressões ilimitadas.

Como ponto fortíssimo tem-se o trabalho rítmico, sempre muito elaborado, em movimentos perspicazes e dinâmicas interessantes, que vão desde ritmos latinos passando por quebras de tempo e contrapontos muito complexos. Prova disso está na terceira faixa “Il Coco Infeccioso d´Arezzo” onde a bateria parece sempre terminar o compasso um pouco antes do que deveria, produzindo um efeito impressionante.

Ainda sobre a seção rítmica, é possível ressaltar certas similaridades com Steve Reich, até pelo modo como diversos elementos se fundem para constituir o piso das composições de maneira criativa e nada ortodoxa. Por aí temos ruídos de estúdio, apitos esquizofrênicos e outros efeitos aleatórios implantados na mente do ouvinte.

As linhas de baixo, quando presentes, mostram-se bem articuladas, em seu ritmo condensado e imponente, às vezes de modo etéreo, desaparecendo e retornando sem aviso prévio.

Quanto à escolha dos timbres consigo notar certa aproximação ao Radiohead, assim como o clima meditativo e minimalista exalado por composições como “Gravesearching Family Field Trip”.

Ouvem-se uma série de colagens eletrônicas e efeitos fantasmagóricos impondo um clima “aquoso” as composições, desviando a atenção do ouvinte em relação a todo o movimento apresentado em certas faixas.

Entre os melhores momentos posso destacar “Gente Doente Não Dança”, onde o autor se apropria de uma temática densa e pesada, com reminiscências de Univérs Zero, para assolar o ouvinte num ambiente claustrofóbico em frases que sairiam de um excelente filme de terror.

As faixas mais longas “Insideness Ein” e “Insideness Zwei” trazem reações adversas. A primeira funciona como uma espécie de suíte, em seus parâmetros esquizóides, iniciando-se no minimalismo bem cadenciado pelas diversas vozes que se formam através de uma sequência lógica de ecos (muito de Reich por aqui), antes de cair num tema de baixo possante que faz a cama para o onipresente efeito eletrônico que conduz as alternâncias, enquanto num outro momento nota-se claramente uma aproximação ao pós-rock, onde temas liquefeitos se apresentam majestosamente antes da bordoada de peso emanado pela “cena final”.

Já “Insideness Zwei” guia o ouvinte por localidades abstratas, evocando bases de salsa, ritmos nordestinos e muito além, sobre o insuportável tema repetido exaustivamente, por onde a composição é montada. A segunda parte se mostra um dos momentos mais óbvios do disco, onde é erguido um impetuoso “hard rock”, recordando alguns dos temas da gravação. Os timbres por aqui são mais agressivos, abordando um fraseado caustico em contrapontos diversos. Os temas são legais, mas nada de extraordinário.

Para explicar, tudo isso melhor, uma entrevista com o compositor, o próprio Leo Hofnug:

Lucas Bento – Então, qual é o conceito por trás dessa obra? Como as faixas se conectam? Pois há uma ligação inteligível aos ouvintes mais atentos...

Leo Hofnug - Sabendo que se trata de uma obra de música ambiental, o conceito escolhido não foi apenas temático. Cada música do CD apresenta uma idéia diferente, seja esta harmônica, rítmica, melódica, conceitual ou física (até neuropsicológica em alguns casos) que vai além da estética formal da obra

Já a forma como as faixas foram organizadas, foi pensada do ponto de vista estético

Lucas Bento - Não se resumindo a um tema, qual a força motriz, a idéia por trás? Você mencionou uma relação física e até neuropsicológica...

Leo Hofnug – Pra explicar, tomo como exemplo o primeiro movimento de “Insideness Zwei (Antikythera)”: a frase melódica que domina a faixa não denota, para quem ouve, qualquer relação lógica (rítmica e harmonicamente falando), soando “acidental”. O ouvinte então não consegue acompanhar o que acontece e acaba se concentrando em outro elemento, algo que consiga entender.

Ou seja, eu, o compositor, não dou a quem ouve a opção de escutar aquilo que ele quer, se não só aquilo que eu quero que ele ouça

Lucas Bento - Esse é um experimento muito interessante, mas não demonstra certa falta de respeito por quem ouve?

Leo Hofnug - De que forma o ouvinte ficaria ofendido? Como músico, meu propósito é a expressão, se estou buscando expressar algo objetivo e para isso utilizo um método que não dá a quem ouve margem para subjetividade, isso significa que minha idéia foi completa e que o ouvinte compreendeu exatamente aquilo que buscava dizer, não?

Lucas Bento - Ta certo, a expressão não deve ter limites. Algum outro experimento que gostaria de destacar?

Leo Hofnug - Há um exemplo similar em "Meriones Unguiculatus (Gerbil)" onde duas linhas melódicas de harmonia e intenção similar são apresentadas simultaneamente, sendo completamente distintas em sua métrica rítmica.

Com o surgimento da segunda voz, o foco para a primeira é desviado e isso faz com que a melodia inicial seja audível somente em momentos onde ambas as métricas confluem. Por mais que o ouvinte busque se concentrar na primeira, não conseguirá separá-la, pelo fato de ambas estarem harmonicamente relacionadas e apontarem a mesma "intenção"

Lucas Bento - Interessante. Alguma experiência tímbrica? Os registros obtidos em cada instrumento soam bem "únicos"...

Leo Hofnug - Todos os timbres apresentados foram modelados especialmente para a ocasião, sempre objetivando algum aspecto especial do ambiente em questão (baixos mais graves para maiores profundidades, agudos estridentes causando desconforto, delays rítmicos em estéreo para dar uma sensação de espaço, etc…)

Neste caso, o espectro trabalhou em função da composição, não o contrário.

Lucas Bento – E quanto às gravações: onde terminam os efeitos eletrônicos e se inicia a manipulação de instrumentos reais?

Leo Hofnug - Utilizei a eletrônica como um instrumento, ao invés de dividir "ruído" de "música", tratando de trabalhar de forma a integrar ambos como elementos fundamentais da composição, como uma orquestra eletroacústica. Por tanto, fica difícil traçar uma linha, considerando ainda mais que a maioria dos "ruídos" foram gerados e manipulados por instrumentos musicais processados com milhões de efeitos.

Lucas Bento - O que pode nos dizer sobre as influências nesse disco? Notei algo de Steve Reich, Univérs Zero e até Radiohead...

Leo Hofnug - Prefiro deixar para o ouvinte captar as influências do disco, relacionando com sua própria cultura.

Lucas Bento - Mas, e quanto a você, o que tem ouvido nos últimos tempos?

Leo Hofnug - Muita coisa… em música popular de Dave Holland a The Fall of Troy, passando por Magma, Il Balleto di Bronzo, Mouse On the Keys, John Zorn, Volapük, Dizzy Gillespie, Wynton Marsalis, Hermeto Pascoal, Mr. Bungle, Symphony of Science, Etron Fou Leloublan, The Mars Volta… e a lista continua

Em música erudita estive com compositores contemporâneos principalmente Ligeti, Xenakis, Thomas Ades e o próprio Reich, que citou. Além de outros mais tradicionais como Stravinsky, Ravel, Dvorák e Debussy que também entram na lista.

Lucas Bento - Uma lista bem eclética, contando com bandas contemporâneas, inclusive. O que acha do atual cenário musical?

Leo Hofnug - Acho que este não poderia ser melhor! A busca de estruturas e formas musicais cada vez mais próximas a grupos de câmara resulta na exposição de idéias e conceitos compositivos muito interessantes que jamais foram vistos.

Tudo feito desde uma liberdade sem precedentes. Com o advento da internet onde todos podem ter acesso a qualquer tipo de informação e da popularização de métodos mais simples de gravação, os grandes músicos que existem por aí que antes morriam no ostracismo, agora podem gravar seus CDs e transcender barreiras geográficas.

Além do mais, pela saturação de informação no homem comum, também há uma demanda pelo novo, pelo interessante, pelo inédito e os músicos estão se esforçando cada vez mais para oferecer ao público o que este busca. Algo que antes na história acontecia em círculos muito limitados, onde somente os grandes eruditos tinham a possibilidade de inovar, de fazer algo nunca antes visto, pois eram a única fonte acessível.

Lucas Bento - Para finalizar, o que se pode esperar de trabalhos posteriores?

Leo Hofnug - Uma ópera de câmara, duas obras de jazz, ambas eletroacústicas, post/art/avant/math-rock e mais música ambiente, tudo para esse ano.

Lucas Bento - Muito obrigado, espero vê-lo por aqui novamente.

Trabalho interessante para aqueles interessados em novas sonoridades, através de experimentos eletrônicos e timbricos, musique concréte, estruturas rítmicas complexas que partem desde síncopes jazzísticas até ritmos de world music, retoques de música erudita e aproximações ao pós-rock. Para agradar todos aqueles que apreciam a música que vai além de “melodias” e “harmonias” tradicionais.

Aqui o álbum na íntegra, postado pelo autor no "vocêtubo":

Track List:

Insideness Ein (Abdul Jó) Parte 1

Insideness Ein (Abdul Jó) Parte 2

Gravesearching Family Field Trip (Tecladia) e Il Coco Infeccioso D'Arezzo

Meriones Unguiculatus (Gerbil) e Gente doente não dança

Insideness Zwei (Antikythera) Parte 1

Insideness Zwei (Antikythera) Parte 2

Godspeed You! Black Emperor

2011-01-29T14:18:00.000-02:00

Ando refletindo muito sobre os atuais rumos da música. Agora, em fevereiro, pretendo trazer mais posts com novidades relacionadas, principalmente, ao “rock” de hoje, em especial ao que se conecta ao termo “progressivo”.

Mas, afinal o que é “rock progressivo”?

Costumo ouvir comentários do tipo “o rock morreu” ou “não se faz mais música hoje, como antigamente”... e realmente não se faz! Mas, nem faria sentido compor utilizando os mesmos padrões de 30-40 anos atrás. É claro, algumas bandas refletem o saudosismo em suas composições, como é o caso dessa segunda onda de “neo-progressivo” de Flower Kings, Spock´s Beard ou mesmo o Kaipa, além das bandas antigas que continuam tentando reavivar a glória de seu passado, como é o caso de Yes, Focus, Nektar e por aí vamos.

Ok, tudo isso é muito legal e gostoso de ouvir, mas e o valor artístico? E a experimentação? E as inovações e quebras de paradigmas?

Particularmente, sinto a necessidade de perceber tais avanços na música e para tanto, trarei aquelas bandas que correspondem ao rótulo de “rock progressivo dos anos 2000”.

Então, trago-lhes hoje, “Godspeed You! Black Emperor”, talvez o principal acontecimento progressivo dos anos 2000.

Sempre ouvi falar muito bem dessa banda, mas só recentemente coloquei os ouvidos em seus trabalhos.

É realmente complicado fazer uma resenha sobre o que ouvi, o “GY!BE” promove uma sonoridade compacta e meditativa, elaborando densas massas angulares, que envolvem diferentes estilos.

Para se entender um pouco, é preciso noticiar que o grupo representa uma das tendências mais interessantes da música popular de hoje: bandas de rock comportando-se como orquestras.

Essa já é uma estética razoavelmente antiga, desde o RIO, com Henry Cow e Univérs Zero, o rock vem estreitando sua relação com o erudito, mas isso nunca aconteceu em tamanho volume. Desde os anos 90, vejo o surgimento de bandas ultra-sinfônicas como o After Crying e alguns dos expoentes do rock nórdico.

Godspeed You! Black Emperor promove esse amalgama de maneira sensorial, apropriando-se de um intenso uso das cordas em arranjos suntuosos, que evocam um space rock luxuoso, aproximando-se ainda de uma melancolia etérea em determinados momentos.

A seção rítmica é bem estruturada, nada que lembre as metamorfoses convulsas do math rock, mas funcionam perfeitamente dentro da proposta do grupo. As melodias pairam sobre os ares, preenchendo o ambiente, ás vezes de modo onírico e surreal e em outros momentos de maneira fantasmagórica e tenebrosa. O efeito sonoro criado é muito interessante, atirando-nos pitorescos mantras instrumentais, ruídos chorosos e vozes profundas, que soam homogêneas, relembrando alguns dos experimentos que mais tarde originariam o espectralismo no início do século XX, com Debussy e Ravel.

A intensa viagem instrumental proposta pelo Godspeed You! Black Emperor, traz algumas reminiscências do krautrock, em especial de Tangerine Dream e de Popul Vuh, bandas também relacionadas à música ambient e ao new age, respectivamente.

Para completar a base de influências, surge nos ritmos diferenciados de várias partes do planeta, aproximando-se a world music, em especial as bases do leste europeu.

Nos contrastes de suas passagens mais pesadas e sombrias ainda é possível, notar algo de Xenakis, devido a sua atmosfera carregada e tempestuosa.

Para resumir, GY!BE traz uma sonoridade única, utilizando-se de timbres orgânicos (em sua maioria, instrumentos de corda) para gerar movimentos musicais atmosféricos que causam diversas impressões em quem ouve, reunindo em suas composições experimentos com música ambient, a partir do trabalho de Robert Fripp e Brian Eno.

Não posso produzir uma resenha direcionada a seus discos estúdios, por ter ouvido somente registros de apresentações ao vivo, que podem ser encontradas de forma legal, por aqui.

O som, trazido pela banda é majestoso, bem cadenciado, aproveitando-se de padrões retilíneos de beleza inegável e nuances interessantes de música erudita, para gerar atmosferas que transbordam um lirismo introspectivo e profundo, para encantar os que se atrevem a sua sonoridade.

Audição essencial para aqueles que se interessam pelo pós-rock, aqui, num de seus mais fantásticos expoentes.

Os 40 Melhores Guitarristas da História - Vaughan, Gallagher, Moore, Buchanan, Gibbons

2011-01-25T17:31:00.001-02:00

Muito bem, meus caros leitores, por aqui encerro minhas inserções a música daqueles que considero “os 40 melhores guitarristas da história”, pós-década de 50. Obviamente, cometi injustiças, deixando de fora alguns gigantes do instrumento (famosos ou não) e provavelmente gerei algumas polêmicas, excluindo alguns nomes costumeiros e ícones pintados de ouro que a meu ver, soam muito superestimados.

Sinceramente, espero que tenha me aproximado do real objetivo dessa “presepada”, que como afirmei no inicio do mês, se trata de divulgar o trabalho de grandes instrumentistas, através de uma lista honesta que não se prende a paradigmas imbecis. Não afirmo verdade absoluta em nenhum momento, pois se trata de uma publicação calcada em parcialidade, através de parâmetros pré-estabelecidos. Ou seja, esse artigo se refere apenas a minha visão: tanto de conhecimento musical e de como articulá-lo. Espero também ter despertado o interesse dos leitores, em buscar certos discos perdidos pelo tempo, como já anuncia a premissa do blog.

Sem mais enrolações, dedico esse último post aos grandes guitarristas do blues-rock (e um pouco além): Stevie Ray Vaughan, Rory Gallagher, Gary Moore, Roy Buchanan e Billy Gibbons.

Stevie Ray Vaughan

Não sou fã de Stevie, mas há um consenso sobre sua destreza no instrumento. Durante os anos 80, Stevie foi o grande responsável por trazer de volta o blues típico de seu país, numa roupagem bem tradicionalista, recebendo influências também da música country.

Stevie teve uma carreira curta, tendo surgido para o mundo em meados da década de 80, foi sucesso relâmpago por sua técnica refinada, seu estilo exibicionista em apresentações ao vivo e o imenso feeling bluesístico exalado em suas apresentações.

Logo viriam as comparações com Jimmy Hendrix, que parece ter muito influenciado seu estilo de tocar, tendo gravado inclusive alguns covers do músico em seus discos. Vaughan estava próximo ao topo, mas, do mesmo modo que Hendrix, o abuso de drogas e álcool levou sua carreira ao declínio.

No final da década de 80, Vaughan havia se recuperado e preparava-se para retomar sua vida do ponto onde a havia interrompido. Infelizmente, não teria chance: em agosto de 1990, sofreu um terrível acidente de helicóptero que tirou-lhe a vida.

Sua música ficou marcada por seu estilo diferenciado fazendo uso de cordas grossas, afinadas num tom mais baixo para gerar um ataque poderoso e encorpado, apropriando-se de um intenso vibrato (herança de Freddie King) mesclado a partes soladas elétricas e pulsantes que facilmente preenchiam o ambiente, com reminiscências de grandes ícones do blues.

1983 – Texas Flood: Disco muito famoso, um daqueles que se precisa ouvir. “Texas Flood” está imerso numa atmosfera vintage, recordando o grande feeling do blues americano através de belas canções que trazem o melhor do estilo, aliados a eletricidade da guitarra expansiva de Vaughan, em composições simples, recheadas de muito virtuosismo. Interessante o modo como os temas são explorados: Vaughan não esconde suas influências, exaltando-as através de grandes releituras, das quais destaco “Tell Me” de Howlin´Wolf. Entre outros grandes momentos posso citar “I´m Crying” em seus intensos ares introspectivos e a levemente jazzística “Lenny”.

1984 - Couldn't Stand the Weather: Acredito que esse disco seja até superior a seu antecessor, no entanto, por aqui Vaughan não inova, desenvolvendo a mesma fórmula de sucesso (cuja proposta já não transpira criatividade, afinal vemos uma significante e imponente restauração do blues). Os melhores momentos estão nas composições instrumentais de Stevie, que demonstra mais uma vez certa inclinação ao jazz-rock. O cover de “Voodoo Chile” soa muito próximo ao original, não negando um dos principais focos de influência do músico.

Rory Gallagher

Gallagher é um daqueles músicos injustiçados: esquecidos pela crítica, amado pelos fãs. Rory foi um gigante do blues, tendo um estilo particular e inimitável, amplificado por uma singularidade: Rory era irlandês.

E o irlandês típico se atreveu as raízes do blues americano, eletrizado em passagens cruas de alta voltagem. Gallagher não abusava de efeitos e distorções: ligando sua guitarra diretamente no amplificador, Rory arrancava timbres honestos e marcantes, através de frases ágeis de imensa carga emocional, riffs rasgados, solos viajantes e memoráveis.

Rory se lançou através do Power trio “Taste”, de sucesso razoável durante a década de 60, através de seu blues pesado e agressivo, com certas aproximações ao rock que se moldava.

Na década de 70 partiria em carreira solo, lançando ao longo de sua vida mais de 15 discos até 1995, quando morreu em decorrência de uma infecção hospitalar.

Alcançou todas as glórias, tendo inclusive recebido o prêmio de melhor guitarrista em 1972. Rory se mostrava um inovador, transformando-se em um dos grandes precursores do heavy metal (notem as destruições guitarrísticas de seus momentos mais insanos), influenciando vários músicos do estilo.

Gallagher tornou-se famoso por suas incríveis performances ao vivo, que refletem em gravações como “Live in Europe” e “Irish Tour”, provavelmente seus melhores trabalhos.

Meu guitarrista favorito de blues-rock por sua musicalidade explosiva e delirante, em eterno contraste a seus momentos mais introspectivos e densos.

1972 – Live in Europe: O primeiro disco a capturar a atmosfera inexplicável imposta pela personalidade musical de Gallagher. Aqui seu blues-rock tange diversas facetas, através da agressividade explosiva de “Laundromat”, a introspecção bem articulada do blues quadradão de “I Could've Had Religion”, além do clímax máximo propiciado pelo cataclismo de “Bullfrog Blues” em uma de suas melhores versões.

1974 – Irish Tour: Está na minha lista dos 10 melhores discos ao vivo de todos os tempos. Um álbum duplo com versões impressionantes de alguns de seus grandes sucessos. Aqui podemos sentir a energia que circunda seus improvisos, em espetaculares desconstruções guitarrísticas. Podemos encontrar uma série de grandes momentos, mas minha favorita é “A Million Miles Away”, sem palavras para descrevê-la, em seus soar flutuante e virtuoso, belíssima.

Foi feito um filme a partir dessa gravação, mas confesso não ter assistido.

1976 – Calling Card: O melhor registro de estúdio de Gallagher, tendo sido produzido por Roger Glover, o baixista do Deep Purple. Um disco bem eclético, tangendo diversas influências inteligíveis que vão desde o hard rock saliente trazido por Glover a aproximações ao folk irlandês, passando por jazz e algumas de suas melhores baladas. Disco refinado, com composições bem trabalhadas que se afastam um pouco da roupagem mais crua proposta pelos trabalhos anteriores. Um disco para agradar diferentes públicos, mostrando a faceta mais versátil e nem por isso, menos intensa desse fantástico músico.

Gary Moore

Gary é um respeitadíssimo guitarrista de blues e hard rock que adquiriu fama por suas contribuições com uma série de grandes músicos, ressaltando Phil Lynott, George Harrison, B.B. King, Jack Bruce, Ginger Baker, Ozzy Osbourne e Andrew Lloyd Weber.

Moore montou uma carreira sólida ao longo dos anos, passeando pelo blues, rock, jazz, country, hard rock e até heavy metal em alguns trabalhos dos anos 80.

Seu estilo de tocar carregado em frases musculosas, riffs introspectivos e densos e solos lacerantes em poderosos debulhos guitarrísticos (aproximando-se do shred em momentos) influenciou toda uma geração de músicos, em especial os que se envolver com o heavy metal, destacando alguns ícones como Randy Rhoads, Jake E. Lee, Joe Bonamassa e até Kirk Hammet.

Sua carreira é extensa, cruzando quatro décadas, tentarei ressaltar alguns de seus trabalhos mais interessantes (apesar de não conhecer a fundo).

1982 – Corridors of Power: Esse é um de seus discos mais pesados, em fraseados agonizantes e eletrificados que evocariam o heavy metal, em seus timbres ríspidos e secos. Inicia-se na pedrada “Don´t Make Me for a Looser”, mas ainda poderia citar como destaque a rápida e pesadíssima “Rockin´Every Night”, em seu timbre agressivo e avassalador. O grande momento vem mesmo no solo de “End of the World”, um dos mais espetaculares da história do músico.

1983 – Live at Marquee: O disco em si não é tão bom, mas isso é ofuscado pelo line-up galáctico que conta com Don Airey (Deep Purple, Black Sabbath...), Andy Pyle (Kinks) e Tommy Aldridge (Black Oak Arkansas). Nenhum performance está acima do esperado até “Parisienne Walkways”. O QUE É AQUILO!? Numa versão instrumental de quase 8 minutos, Gary nos traz o poderoso feeling da faixa original, aliado a inexplicável devastação guitarrística, em seu lirismo estratosférico.

1990 – Still Got the Blues: Um disco mais contido e acessível, voltado a um bluesão tradicional, contando com a presença do amigo de longa data Don Airey, além de outras participações significativas. Seu trabalho mais conhecido, aclamado como um dos melhores do blues moderno. Gravação interessante, envolta numa atmosfera intimista, esbanjando feeling sem negligenciar a técnica, aqui soando mais sofisticada através de frases açucaradas, licks flutuantes e outras belas proezas instrumentais. É “pop”, mas por direito adquirido.

Roy Buchanan

Um titã do blues, exalando um lirismo extra-terrestre, em sua beleza fluída e marcante. Suas frases surreais (sim, falo de blues) tornaram-no num dos guitarristas mais influentes da história, baseando suas músicas em timbres flutuantes e sensoriais que muito impactariam nas escolhas instrumentais do rock que se desenvolveria.

Tornou-se profissional ainda no início dos anos 60, mas só ganharia certa notoriedade na década seguinte. Lançou em vida cerca de 12 álbuns, enfrentando ao longo de sua carreira o cruel vício da bebida. Em 1988 foi preso após um episódio lamentável, enforcando-se com a própria blusa ainda em sua cela.

Seu estilo inovador, principalmente na escolha de seus timbres, influenciaria uma série de grandes guitarristas, destacando Gary Moore e o próprio Jeff Beck que pode ser visto como um sucessor de Buchanan.

Sua técnica é refinada, apropriando-se de frases de bom gosto, bem articuladas através de sua “chicken´picking” particular, tendo desenvolvido também a técnica de “pinch harmonics” que muito seria aproveitada por artistas que viriam.

1972 – Roy Buchanan: Seu fabuloso disco de estréia que apresentou o mundo ao estilo sutil e leve de Buchanan, incluindo sua belíssima versão de “Sweet Dreams” e alguns clássicos como “The Mesiah Will Come Again”. Buchanan molda fraseados imprevisíveis, escalando suas notas únicas ao ar, apropriando-se de temas detalhados e cativantes. Um discaço, realmente clássico de blues, exalando uma introspecção honesta e pulsante que elevaria o estilo a outro nível.

1978 – You´re Not Alone: Aqui estão registrados os timbres mais espetaculares, imprevisíveis e impressionantes de Buchanan. Esse disco foge um pouco da estrutura de blues padrão, aproximando-se de um rock sofisticado, com levadas jazzísticas... quase progressivo. Meu disco preferido em sua extensa discografia, até por sua singularidade. “You´re not Alone” é fantástica, mas o melhor momento é sem dúvidas “Fly... Night Bird”, inenarrável (colocarei no tocador do blog, esqueço da existência disso às vezes).

1985 – When a Guitar Plays Blues: O disco que marca o retorno parcial de Buchanan aos estúdios. Os arranjos por aqui são mais “pobres” do que se pode estar acostumado, mas o estilo cristalino, lotado de emoções abstratas de Buchanan consegue transformar uma gravação apenas razoável num dos melhores discos de blues dos anos 80 (relevando a existência de Stevie Ray Vaughan). Mais uma gravação apaixonante.

Recomendo também: tudo que Buchanan fez, quando falamos em guitarristas de blues, apenas B. B. King é capaz de superá-lo, sem embargo, a música instrumental de Roy explora todo o sofrimento de sua existência e de seu meio, traduzindo com perfeição o que esse fantástico estilo tem de melhor. Sua perda foi um grande pesar para os amantes de arte, sem a menor dúvida.

Billy Gibbons

Não encontrei em lista alguma, qualquer referência ao nome de Billy Gibbons. Mas, que grande heresia! Gibbons é o máximo! Apesar da fase duvidosa do ZZ Top nos anos 80 (que ainda possui alguns bons momentos), Billy sempre se mostrou um guitarrista perspicaz, disponibilizando riffs musculosos, em temas secos e sarcásticos, zombando do modo de vida de sua terra natal, o mitológico Texas.

Gibbons ainda foi um dos pioneiros do tapping. Me lembro de ter lido uma entrevista de Eddie Van Halen que ao ser questionado sobre sua “nova” técnica, afirmou que a havia roubado do cara que a roubou de Billy Gibbons.

Na década de 70, o ZZ top ficou famoso por seu blues-rock bem quadrado, em levadas possantes que marcam todo o clássico “Tres Hombres”.

Durante os anos 80, moldou-se toda aquela imagem das longas barbas, os clipes senis e os riffs memoráveis (em minha opinião o tema de “Sharp Dressed Man” é um dos melhores do rock) que trariam imensa popularidade a banda, até pela intensidade de sua veia cômica.

Sou fã da banda, mas garanto-lhes que o ZZ Top é muito mais original que várias das bandas populares de blues-rock que costumam figurar em “listas sérias”. Gibbons mostra um grande conhecimento de campo harmônico, aproveitando-se muito bem de sua base no blues, além de solos divertidos, repleto de pinch harmonics.

Quem viu o ZZ Top ano passado, entende todo meu fascínio pela banda, aliás, um dos melhores shows de 2010!

1973 – Tres Hombres: O clássico da banda, cuja resenha completa pode ser lida aqui. A base é o blues bem tradicional que se reflete em minhas faixas favoritas “Waitin´For The Bus”, “Jesus Left Chicago” e a bonita “Hot, Blues and Rightous”, podemos encontrar também o rock quadradão de “Beer Drinkers and Hell Raisers”, além do maior clássico da banda “La Grange”, em alguns dos melhores solos de Gibbons.

1979 – Degüello: Uma evolução da sonoridade de “Tres Hombres”, mais crua, mais agressiva, adentrando-se grooves ainda mais intensos. Álbum divertidíssimo, com letras lacerantes e instrumentação muito bem elaborada. Entre os grandes destaques a clássica “Cheap Sunglasses” e a distorção de “I´m Bad, I´m Nationwide”, as frases de guitarra são realmente muito legais.

1983 – Eliminator: O melhor disco do ZZ Top dos anos 80. A banda recebe influências do New Wave, usando sintetizadores em suas músicas. Isso é estranho, temos de admitir, mas esse álbum trouxe algumas excelentes faixas. Destaques: como já mencionado, o riff de “Sharp Dressed Man”, “Gimme All Your Lovin”, o groove de “Legs” e a excelente “Got Me Under Pressure”, num dos melhores momentos da guitarra de Gibbons.

É simples, mas é legal, que posso fazer?!

Os 40 Melhores Guitarristas da História - Rhoads, Schenker, Malmsteen, Friedman, Becker

2011-01-22T17:20:00.001-02:00

Prog-heads mantenham distância: esse post falará sobre heavy metal.

Particularmente, não sou fã do estilo de modo geral (apesar das óbvias exceções), mas é fato inegável que o heavy metal nos entregou uma produtiva safra de grandes guitarristas, portanto fazer uma lista como essa sem citá-los seria uma negligência terrível.

Para evitar as más impressões, irei me aventurar pela música de indivíduos que não conheço tão bem, apesar de entender um pouco de suas contribuições musicais. Nesse post falarei sobre Randy Rhoads, Michael Schenker, Marty Friedman, Yngwie Malmsteen e Jason Becker.

Randy Rhoads

Rhoads tornou-se um dos guitarristas mais famosos da história, tendo tocado em somente quatro discos de estúdio. Seu estilo de tocar influenciou 9,5 entre 10 guitarristas de metal que viriam a seguir.

Isso leva a duas possíveis interpretações: o mundo está febril, ou o cara era realmente um grande guitarrista.

Estou com a segunda opção, afinal, hoje em dia, é fácil enumerar guitarristas que são apenas reflexos mal formulados de Rhoads.

Sua carreira começou na banda “Quiet Riot”, que fazia, nesse período, um hard rock vigoroso, mas um tanto indeciso. Curiosamente, o grupo faria mais sucesso alguns anos depois, após a saída de Randy, com um som mais próximo da farofa metálica que ocorria no período.

No final dos anos 70, Ozzy Osbourne deixou o Black Sabbath e via-se perdido em busca de um novo guitarrista que pudesse desenvolver e inovar as tendências, iniciadas por sua própria banda no crepúsculo da década de 60. Foi então que surgiu Randy, que agradou Osbourne logo nas primeiras impressões (segundo conta a lenda).

Juntos, gravariam dois discos (os melhores de Ozzy, penso eu): “Blizzard of Ozz” e “Diary of a Madman” de 80 e 81 respectivamente. Para tais gravações, o vocalista original do Sabbath, contava ainda com um line-up galáctico: Bob Daisley no baixo (Rainbow, Gary Moore), Don Airey nos teclados (Cozy Powell, Rainbow, Black Sabbath e por aí vamos) e Lee Kerslake na bateria (Uriah Heep).

Em 82, o guitarrista sofreu um acidente absurdo de avião que acabou por tirar-lhe a vida, para desespero geral da nação headbanger.

1980 – Blizzard Of Ozz: É um dos discos mais influentes dos anos 80 e provavelmente a melhor gravação solo de Ozzy. Seção rítmica muito competente, camas bem articuladas ao teclado, a voz inconfundível de Ozzy e é claro, o “elemento X”, a guitarra até então única de Randy Rhoads. Randy trazia um virtuosismo objetivo, adentrando-se a escalas e modos compositivos que apontavam a música clássica, através de melodias ao mesmo tempo aprazíveis e intrincadas, decolando também solos em alta velocidade que muito seriam emulados a seguir. Entre os melhores momentos estão as clássicas “Crazy Train” e “Mr. Crowley”, com solos espetaculares.

1981 – Diary of a Madman: Aqui Rhoads demonstra ainda mais sua aproximação à música clássica, com toques refinados que enriquecem o teor compositivo do álbum. O melhor momento está na pesada “Over the Mountain” que estabeleceria muito do que se conhece como Metal hoje: riffs sujos e ágeis, aliados a interlúdios mais melódicos, além do solo destruidor.

Michael Schenker

Michael Schenker foi membro fundador do Scorpions, participando, ainda com 16 anos, de seu primeiro disco “Lonesome Crow”. Logo depois integraria a banda inglesa “UFO”, precursora do heavy metal, ao lado de ícones mais conhecidos como o Deep Purple e o Black Sabbath.

Com o UFO, Schenker gravaria oito discos, incluindo seu mais conceituado “Phenomenom”. De fato, a entrada de Michael para a banda seria fator decisivo para seu sucesso comercial.

Schenker definiria as bases do que seria a guitarra do heavy metal: muita virtuose em solos longos e lacerantes, em contrapartida a riffs hiper-voltaicos, tocados em grande velocidade, mas de modo ainda limpo, sem o abuso extremo de efeitos como ocorre atualmente.

Após sair do UFO, no final dos anos 70, Schenker formaria o “Michael Schenker Group”. Por aqui podemos encontrar um hard rock nervoso, cheio de virtuose explosiva, solos lacerantes e o desenvolvimento completo da técnica de Schenker, que adicionaria muito wah-wah em suas frases incendiárias que ditariam os rumos da guitarra elétrica.

Eventualmente, ainda se reuniu com Scorpions e UFO, tendo gravado alguns discos, mas tem se focado em sua carreira solo.

A graça do UFO está na guitarra de Schenker que sempre roubou a cena em suas apresentações, no entanto, Michael mostra-se uma personalidade de difícil trato, gerando toda uma mitologia de “bad boy” dentro do mundo do heavy metal.

1974 – Phenomenon: Esse é um disco muito interessante. Apesar da instabilidade (algumas faixas são bem fracas), essa é talvez a primeira gravação a conter o heavy metal difundido nos anos 80 por bandas como Iron Maiden, que, aliás, fez um cover de uma das melhores faixas do disco “Doctor Doctor”. Citaria ainda a fantástica “Rock Bottom” como destaque.

1979 – Strangers in the Night: Um dos melhores discos ao vivo de hard rock da história. LP duplo, com registros da turnê de 1978, o grande destaque ficam por conta dos clássicos, em especial a versão estendida de “Rock Bottom” em seus 11 devastadores minutos de fritação guitarrística do mais alto nível. No geral, um grande álbum, riffs elétricos e poderosos, solos excruciantes, salientando “Shoot Shoot” e “Too Hot to Handle”.

Yngwie Malmsteen

Sem embargo, Malmsteen é um bundão. Mas, tecnicamente falando, ele é um dos maiores guitarristas da história, incontestavelmente.

Malmsteen foi o grande difusor do “shred”, o estilo onde o guitarrista estilhaça seu instrumento, em solos a 400 por hora. Yngwie o faz bem. Além disso, Malmsteen aderia as suas composições à música clássica, tendo citado como principal influência os grandes compositores barrocos em especial Vivaldi (ele gosta de mencionar Bach, mas sinceramente, acho isso um pouco ofensivo).

Ficou conhecido, após uma reportagem na revista Guitar Player, então participaria das bandas “Steeler” e “Alcatrazz”, ambas apontando a um hard rock virtuoso com eventuais flertes a farofa.

Na primeira metade dos anos 80, iniciaria sua carreira solo: por aqui Malmsteen debulha, esquarteja e vulcaniza sua guitarra em solos de velocidade inatingível, aderindo nuances de heavy metal e certa base na música clássica, no estilo que seria conhecido como “metal neo-clássico”. De “neo-clássico” só gosto dos russos, mas os primeiros álbuns dele são aceitáveis, ainda que se tornem cada vez menos “eruditos” e mais “pesados”.

O problema começa na segunda metade dos anos 80. Malmsteen torna-se “O Rei da Farofa”, o presepeiro-mor, firulando entre bases repetitivas, que exploram sempre o mesmo conceito: sua destreza incomparável no instrumento. Essa fase é tenebrosa, e admitamos, Malmsteen não leva muito jeito pra composição, sendo sempre um quesito um tanto desinteressante, cansando facilmente quem ouve.

1984 – Rising Force: Aqui nasce seu metal neo-clássico. O disco sintetiza tudo que falei, sobre a esmerilhação guitarristica extrema, aproveitando-se da palhetada avassaladora e o uso coerente das vozes do tapping. Os dois maiores “clássicos” do músico saíram daqui “Black Star” e “Far Beyond the Sun”.

1985 – Marching Out: Menos “erudito”, mais “hard”. O uso do violão não é tão proeminente, quanto o apresentado em “Black Star”, enquanto a guitarra torna-se ainda mais agressiva e expansiva, ressaltando o que é feito na faixa-título.

Ele gravou um disco com orquestra no final dos anos 90: “Concerto Suite for Electric Guitar and Orchestra in E Flat minor Op. 1”. Particularmente, não me atraí nem um pouco, mas quem sabe...

Marty Friedman

Preciso confessar: eu gosto de Megadeth. Tenho dois CDs inclusive, não sou o maior fã, mas consigo ouvir sem me cansar. Isso se deve principalmente ao estranho estilo de tocar de Marty Friedman.

A diferença principal entre Friedman e os demais guitarristas de metal: quando era um garoto solitário com uma guitarra, Marty ouviu pop japonês, Elvis Presley e música eletrônica, ao invés de Ritchie Blackmore e Eric Clapton.

No entanto, em seus primeiros trabalhos podemos ouvir muito shred, em solos rasantes e muito movimentados, tendo feito parte da banda “Cacophony” ao lado de Jason Becker (destruições guitarrísticas extremas, apesar de demonstrar alguns contrapontos interessantes).

Após a dissolução do “Cacophony”, Friedman integraria o Megadeth, minha banda favorita de metal. Por lá, desenvolveria seu estilo incomum de tocar que se aproveita de escalas próprias, improvisando acordes únicos em arpeggio, através de sua palhetada singular que difere de qualquer outra técnica semelhante empregada.

Com o “Megadeth” gravou cinco álbuns, depois deixaria a banda no início dos anos 2000. A banda havia ficado “pequena” para suas ambições musicais. Partiria para a carreira solo, que é uma das mais imprevisíveis que se tem noticia. Gravou vários discos com cantoras japonesas, mesclando a música ocidental e oriental, entre outras peripécias únicas, até rock progressivo ele gravou...

Vou ressaltar aqui, alguns discos interessantes do guitarrista mais esquizofrênico do metal.

1987 – Speed Metal Symphony: Friedman + Becker = Aniquilação completa. Shred duplo em contraponto constante, sempre em velocidades altíssimas, evocando o metal neo-clássico de Malmsteen e o Speed Metal.

1990 – Rust in Peace: Sendo fã do estilo ou não, é importante reconhecer a qualidade desse disco, que é banhado numa atmosfera pesada, riffs elétricos e incongruentes, vocais corrosivos, letras ásperas e solos brilhantes. Destaque principal para duas faixas “Hangar 18” e “Holy Wars... The Punishment Due”. Um dos discos mais importantes de toda a história do heavy metal (no caso trash metal), através de uma lírica brutal muito bem executada.

1992 – Countdown to Extinction: Gozando do sucesso de “Rust In Peace”, o Megadeth lançou esse disco, um pouco mais comercial, sem demonstrar o mesmo instinto bélico, tão realista, apresentado no trabalho anterior. Ainda sim, podemos encontrar alguns bons momentos. Destaques: tudo que surge de “Symphony of Destruction” (a parte do refrão é antológica) e a faixa-título, que é bem legal também.

1996 – True Obsessions: Talvez, o melhor solo de Friedman. É um álbum bem eclético, que costuma ser referido como “metal progressivo”, o que não me soa muito correto. A maior parte das faixas é instrumental, ressaltando “Thunder March”, o hard rock de “Rockbox” e a progressiva “Farewell”.

Jason Becker

Becker é um guitarrista talentosíssimo, tendo participado do Cacophony com Marty Friedman, além de integrar a banda de David Lee Roth. Em sua carreira solo, Becker desenvolveu o shred a seus limites, através de melodias muito bem estruturadas, recebendo o toque refinado da música clássica, para elaborar linhas impossíveis de se tocar, sempre em altíssima velocidade. Seus solos reproduzem com perfeição técnicas como a palheta alternada e a sweep picking de Frank Gambale, além do uso inteligente do tapping na criação de progressões de acorde em arpeggio muito originais. Becker ainda cria contornos melodiosos através de seus harmônicos bem cadenciados, sempre demonstrando a influência principal de Paganini.

Dentre todos os grandes guitarristas adeptos ao shred, escolhi Becker pela sensibilidade e o senso melódico demonstrado em sua composição.

Jason mostrava-se uma grande revelação da música mundial, até 1990, quando descobriu ser portador da doença degenerativa “Esclerose Lateral Amiotrófica”, que tirou-lhe o movimento de todos os membros.

Hoje, sua situação é estável e Jason continua se comunicando e compondo com o movimento de seus olhos, através de um programa de computador desenvolvido por seu pai.

Uma lenda, sem dúvidas. Mas, seu disco solo demonstra grande qualidade, sendo um dos mais completos e bem explorados do estilo, o tal do “metal neo-clássico”.

1988 – Perpetual Burn: Contanto com a participação de Friedman, o instrumentista mostra seu lirismo acentuado, passando por frituras guitarrísticas muito intensas, reais devastações instrumentais em altíssima velocidade. Solos brilhantes, frases que lembram a complexidade contrapontística da música barroca (em menor escala, obviamente) e muito virtuosismo marcam esse álbum. Clássico da guitarra elétrica.